2020 | Berita Seni Visual di Indonesia Saat Ini

December 24, 2020February 12, 2024 By: Chester Richards

Kecantikan & Keberanian: Know My Name Kisah Perempuan

Kecantikan & Keberanian: Know My Name Kisah Perempuan – Know My Name lebih dari sekedar pameran seni, meskipun pameran yang dilampirkan pada peluncurannya besar, rumit dan indah. Digambarkan sebagai “inisiatif kesetaraan gender”, ini adalah bagian dari strategi oleh Direktur NGA Nick Mitzevich untuk bergerak menuju budaya inklusi baik dalam mengoleksi maupun memamerkan.

Pameran dimulai dengan tampilan potret massal, digantung seperti salon abad ke-19, hampir seperti penjaga kehormatan. Subjeknya adalah semua orang dengan tujuan.

Kecantikan Dan Keberanian: Know My Name Mempersembahkan Kisah Perempuan Seni Australia Yang Baru

Potret monokrom Brenda L. Croft yang intens tentang Rumah Bibi Matilda, sesepuh Ngambri-Ngunnawal, menyambut kedatangan pedesaan. Di dekatnya, potret Julie Dowling yang ikonik dan memilukan tentang keluarganya serta kesedihan dan kehilangan komunitas ditempatkan di samping Dian Dreams (1909) dari Violet Teague, sebuah lukisan dengan subjek yang tidak perlu mendapat persetujuan siapa pun. www.mustangcontracting.com

Beberapa karya terkenal, yang lain kurang begitu. Tak pelak, mata tertuju pada The Sock Knitter (1915) karya Grace Cossington Smith, karya yang pertama kali menempatkan seniman perempuan di pusat sejarah seni Australia.

Seabad sebelum Countess Report pertama merilis data yang diteliti dengan cermat tentang perlakuan yang tidak adil terhadap seniman wanita, The Sock Knitter dipamerkan di pameran tahunan Royal Art Society of NSW tahun 1915. Ia diabaikan, seperti halnya sang seniman, yang telah lama dianggap sebagai pelukis bunga “amatir wanita”.

The Sock Knitter tetap berada di studionya hingga akhir 1950-an ketika ditemukan oleh Bernard Smith. Cossington Smith sekarang mungkin dikenal sebagai seniman modernis paling penting di Australia, namun dia menghabiskan sebagian besar hidupnya dalam ketidakjelasan yang relatif.

Pameran ini adalah sinyal Mitzevich dari perubahan kebijakan koleksi NGA menjadi salah satu tindakan afirmatif. Sebelumnya, galeri hanya menampung 25% karya seniman perempuan.

Yang mengejutkannya, kata dia, adalah meskipun profil seniman perempuan meningkat dalam empat dekade terakhir, proporsi karya seniman perempuan yang masih hidup yang dikumpulkan oleh galeri pada waktu itu lebih sedikit dibandingkan tahun-tahun sebelumnya.

Direktur pertama galeri, James Mollison, mungkin tidak berprasangka buruk terhadap wanita, tetapi dia tidak berprasangka buruk terhadap kami. Karya-karya utama Rosalie Gascoigne, Joy Hester, Tracey Moffatt dan Emily Kame Kngwarreye semuanya dibeli di arlojinya. Banyak karya terbaru di pameran ini berasal dari tempat lain.

Dapat dikatakan bahwa tidak mungkin untuk mengkonfigurasi ulang seni Australia hanya dengan menggunakan satu jenis kelamin. Tentu saja ada jawaban yang mudah untuk ini. Selama bertahun-tahun, hampir semua seni yang dipamerkan di depan umum dilakukan oleh laki-laki.

Hubungan, bukan sejarah

Keindahan dan keberanian dari pameran ini adalah mengabaikan setiap upaya untuk menempatkan seniman ke dalam gerakan tertentu. Sebaliknya, kurator Deborah Hart dan Elspeth Pitt telah menciptakan apa yang mereka sebut dengan tepat sebagai “kisah baru seni Australia”, salah satu hubungan, bukan sejarah.

Ini adalah argumen solidaritas dan inklusi yang luar biasa dan melingkupi. Pekerjaan dikelompokkan berdasarkan perhatian tematik; melintasi batas budaya dan kronologis. Hirarki tradisional antara seni tinggi dan rendah dibubarkan.

Setelah pintu masuk bergaya salon, pengunjung beralih ke interpretasi yang berbeda dari mitos penciptaan yang hebat itu, Seven Sisters. Ruang tersebut didominasi oleh komisi terbaru galeri, instalasi besar oleh penenun Tjanpi.

Ini bergabung dengan lukisan tentang subjek yang sama, termasuk karya suster Ken dari Anangu Pitjantjatjara Yankunytjatjara Lands. Pesannya adalah kolaborasi dan kemurahan hati.

Di ruangan berikut, Connection with Country, seniman dari berbagai generasi dan budaya terkait dengan tanah dan lingkungan. Ini termasuk dinding batik Utopia, pengingat bahwa Jeanie Pwerle, Rosie Kngwarray dan Emily Kame Kngwarreye pertama kali bekerja murni di tekstil.

Lukisan hebat Emily Kame Kngwarreye Untitled (Alhalker), (1992), dari koleksi Galeri Seni New South Wales, menceritakan tentang negaranya.

Pagar Berbulu Rosalie Gascoigne membangkitkan keindahan lanskap di sekitar Canberra, sementara instalasi Janet Laurence, Requiem, berduka atas hilangnya kehidupan alam. Fiona Hall’s Tender, dengan sarang burungnya yang ditenun dari pecahan uang dolar Amerika, memberikan pengingat yang tegas tentang kefanaan dan kebodohan uang.

Terlepas dari ruang pameran yang luas, Anda dapat menikmati kesenangan intim dari dekat dan pribadi dengan panorama terukir epik Bea Maddock, Terra Spiritus dengan warna pucat yang lebih gelap (1993-98), perjalanan keliling Tasmania yang direkam dengan susah payah, menghubungkan aslinya nama yang dikenakan di tanah oleh penjajah Inggris. Lalu ada pengerjaan ulang indah foto kolonial Narelle Jubelin, semuanya dalam petit point.

Perubahan waktu

Di ruangan bertajuk Kolaborasi dan Peduli, tempo berubah. Sebuah dinding besar ditutupi dengan poster-poster aktivis dan lebih banyak lagi karya yang menghasut, termasuk Relik Phoenix (Frances Budden), kritik biadab yang bersulam tentang Katolik dan penghargaannya terhadap perempuan.

Rasa kemarahan dan protes yang meresapi dinding ini cocok dengan Resistance REA ini ulang dari Aborigin bendera gantung berlawanan.

Karya-karya polemik ini diimbangi dengan kebenaran Westbury Quilt, yang dibuat oleh Misses Hampson di Tasmania utara pada tahun-tahun awal abad lalu. Kotak kecil merah dan putih selimut, yang disulam dengan detail kehidupan sehari-hari, berpusat pada visi ideal Ratu Victoria.

Meskipun mereka dipamerkan di bagian yang berbeda, selimut ini mungkin lebih mirip dengan sandal yang dikerjakan Esme Timbery’s Shell (dari 2008) daripada pameran lainnya. Keduanya berbicara tentang skala domestik pekerjaan tradisional perempuan, dan cara seni dapat menyusup ke dalam ruang sehari-hari.

Ada rasa keakraban dalam ruangan, Warna, Cahaya dan Abstraksi, karena kontribusi seniman perempuan terhadap Modernisme telah terekam dengan baik. Berikut adalah favorit lama para pionir Dorrit Black, Cossington Smith, Grace Crowley, Klytie Pate menginformasikan generasi selanjutnya termasuk Margaret Worth, Janet Dawson, Virgina Cuppaidge dan Melinda Harper.

Ruangan bertajuk Performing Gender menampilkan rangkaian lengkap Persona dan Bayangan Julie Rrap, foto-foto yang dimanipulasi berdasarkan tubuhnya dan lukisan Edvard Munch.

Ini, bersama dengan Adegan hitam dan putih yang luar biasa dari Anne Ferran tentang Kematian Alam, dan Sesuatu yang Lebih dari Tracey Moffatt, mungkin adalah karya paling akrab bagi mereka yang tumbuh dewasa di tahun 1980-an.

Mengingat adalah ruangan yang paling tenang. Instalasi taman memorial Kathy Temin menghormati hilangnya keluarga dengan arsitektur bulu palsu. Fragmen perunggu Lindy Lee mengingatkan kita bahwa kita hanyalah bintik di alam semesta, sementara penelitian penerbangan, rangkaian foto Rosemary Laing, menunjukkan sosok pengantin yang mengambang di langit biru yang jernih.

Pamerannya begitu besar hanya setengahnya yang dipajang sekarang. Paruh kedua direncanakan pada Juli tahun depan (didahului dengan konferensi online). Yang itu mungkin lebih menantang karena akan mencakup karya-karya Pat Larter, yang selama bertahun-tahun lebih dikenal sebagai istri Richard Larter.

Read Full Article

December 24, 2020February 12, 2024 By: Chester Richards

Lindy Lee’s Moon in a Dew Drop: Seni Didorong

Lindy Lee’s Moon in a Dew Drop: Seni Didorong – Pada saat bumi yang memanas dengan cepat tampaknya membahayakan masa depan umat manusia, di zaman ketika dunia tampaknya sebagian besar diatur oleh badut, penjahat, atau mereka yang merupakan kombinasi keduanya, seni Lindy Lee menenangkan jiwa, memulihkan harmoni.

Moon in a Dew Drop, yang dikurasi oleh Elizabeth Ann Macgregor, tidak menunjukkan pola yang mudah atau sentimen manis. Melainkan merupakan ekspresi ketenangan yang diperoleh sebagai hasil perjuangan keras dan pemeriksaan diri yang ketat.

Lindy Lee's Moon in a Dew Drop: Seni Didorong Oleh Rasa Ingin Tahu Yang Lahir Dari Perjuangan Keras

Lee bisa digambarkan sebagai orang Australia yang khas. Dia adalah anak dari orang tua pengungsi imigran. Ayahnya datang ke Australia sendirian pada tahun 1947, sebelum kemenangan Komunis, tetapi ibunya tidak diizinkan mengikuti selama beberapa tahun karena kebijakan imigrasi rasis kami sangat membatasi jumlah orang China yang diizinkan untuk menetap di sini. https://www.mustangcontracting.com/

Lee menjadi seniman pada saat diasumsikan secara luas bahwa semua seni dibuat oleh laki-laki, tetapi karena kebetulan waktu karir profesionalnya menempatkannya di barisan depan seniman Australia sukses yang bukan etnis Eropa atau laki-laki.

Dalam esai katalog yang diterjemahkan oleh Fiona He, penulis Tiongkok Shen Qilan mencatat bahwa seni Lee adalah eksplorasi berkelanjutan dari “‘Who am I?’ – pertanyaan filosofis pertama dan terakhir”.

Ketika dia masih kecil, Lee bertanya-tanya pada motif debu yang terperangkap di bawah sinar matahari. Sebagai orang dewasa, dia masih didorong oleh rasa ingin tahu tentang dunia di sekitarnya.

Pameran ini melingkari seluruh lintasan karir Lee, dimulai dengan fotokopi awal karya Renaissance dan Baroque. Seperti kebanyakan wanita di generasinya, Lee menganggap semua seniman hebat adalah pria sampai dia mengunjungi Italia dan melihat karya Artemisia Gentileschi. Inilah seorang seniman yang melukis wanita sebagai pahlawan dan subjek favoritnya adalah Biblical Judith, pemenggal kepala Holofernes.

Setelah Lee kembali ke Australia, dia belajar di Sydney College of the Arts, pada awalnya menggunakan fotokopi sebagai memoar ajudan. Proses fotokopi memikatnya saat dia mulai melihat salinan ini sebagai objek tersendiri.

Tindak penerjemahan melalui seni menjadi metafora atas pengalamannya sebagai orang Australia berlatar belakang Asia, melihat dunia dari kejauhan, mengubah “realitas” menjadi sesuatu yang lain. Dari fotokopi dia beralih ke lilin lebah berpigmen hitam, mengorek kembali masa lalu Eropa untuk membuat hadiah asli.

Dislokasi Budaya

Pada tahun 1985, lukisannya, Sakramen Putih , sebuah meditasi pada lukisan El Greco tentang St Andrew, dibeli untuk Galeri Nasional Australia. Lee tertarik dengan intensitas spiritualitas El Greco dan cara ini tercermin dalam seninya. Penyelidikannya terhadap spiritualitas berkembang seiring dengan rasa dislokasi budaya.

Seperti banyak orang Australia yang lahir dari orang tua imigran, Lee pada awalnya tidak merasakan hubungan dengan negara atau budaya mereka. Belakangan dia memahami bahwa keasyikannya dengan fotokopi juga merupakan cerminan dari melihat dirinya sebagai replika, bukan hal yang nyata, bukan bagian dari Australia. Dapat dikatakan bahwa semua seni selanjutnya adalah eksplorasi sifat realitas, dan pengertian waktu.

Karya instalasinya pada tahun 2003, Birth and Death, diciptakan kembali untuk pameran ini, terdiri dari 100 buku akordeon Cina berwarna merah, dicetak dengan gambar digital dari anggota keluarganya, dulu dan sekarang, hidup dan mati. Kita semua adalah bagian dari mereka yang pergi sebelum dan sesudah.

Pada tahun 1995, Lee melakukan kunjungan pertamanya ke China dan menyadari bahwa dia bukan sepenuhnya orang China atau sepenuhnya orang Australia. Sebaliknya dia terus memanfaatkan kedua budaya untuk pemahamannya tentang diri. Hasilnya adalah instalasinya, Tidak Naik, Tidak Turun, Akulah Sepuluh Ribu Hal.

Dalam sebuah wawancara katalog dengan Macgregor dia menggambarkan pekerjaan ini sebagai hasil dari “dibebaskan dari penjara karena mencoba menemukan identitas saya sebagai orang Tionghoa atau Anglo atau ini atau itu”.

Judul tersebut merujuk pada filsuf Zen, Dogen yang berkata, “Jika Anda ingin mengetahui diri Anda, lupakan diri Anda dan teraktualisasikan oleh 10.000 hal.”

Dalam kunjungan berikutnya ke Tiongkok, Lee menjadi tertarik dengan tradisi Taois tentang kaligrafi tinta terlempar, di mana sang seniman membiarkan takdir untuk memutuskan di mana pigmen itu jatuh. Dalam beberapa tahun terakhir, dia mulai bekerja dengan UAP Foundry di Brisbane, membuat pecahan dari tetesan perunggu cair.

Fragmen seperti permata itu terlihat seolah-olah tidak mungkin terjadi secara tidak sengaja, tetapi salah satu yang menarik dari pameran ini adalah instalasi video yang menunjukkan Lee hampir menari saat dia melemparkan logam panas itu menjadi seni.

Moonlight Deities, sebuah instalasi di mana cahaya bersinar melalui beberapa lubang melingkar yang membuat pola bayangan yang memikat, dibuat khusus untuk pameran ini, seperti halnya patung Secret World of a Starlight Ember.

Dalam kedua karya tersebut, mudah bagi penonton untuk membenamkan diri dalam pola cahaya, bergerak dengan bayangan, menganggap diri mereka sebagai bagian dari alam semesta yang tidak pernah berakhir.

Dunia di mana kita menemukan diri kita sendiri hanyalah setitik dalam dahsyatnya alam semesta, dan pada saat yang sama merupakan wahyu keajaiban bahwa kita yang begitu kecil bisa menjadi bagian dari alam semesta, begitu besar. Lee menceritakan Macgregor kisah Buddha tentang jaring Indra, jaring tak terbatas, sebagai metafora untuk apa yang dia coba katakan melalui karya seninya.

Read Full Article

December 24, 2020February 12, 2024 By: Chester Richards

Jane Austen, Monet Dan Phantom of the Opera

Jane Austen, Monet Dan Phantom of the Opera – Budaya telah lama dikelompokkan sebagai “tinggi” atau “rendah”, atau mungkin “tinggi” dan “populer” untuk melunakkan pukulan. Tapi bagaimana dengan di antaranya. Kata “middlebrow” muncul ke dalam bahasa Inggris pada tahun 1920-an sebagai penghinaan. Itu menggambarkan karya yang salah mengira selera bagus untuk seni yang serius dan konsumen yang tidak bisa membedakannya.

Kami bertanya kepada hampir 1500 orang Australia tentang preferensi dan partisipasi budaya mereka, dan memetakan tanggapan mereka pada suatu spektrum. Ada perbedaan yang jelas antara mereka yang tidak secara teratur terlibat dengan seni dan budaya di satu sisi dan pecinta bentuk seni tinggi atau avant-garde di sisi lain.

Jane Austen, Monet Dan Phantom of the Opera - Budaya Middlebrow Saat Ini

Area paling terkonsentrasi dari data yang dipetakan berada di ruang tengah. Tambalan ini berisi suka untuk Phantom of the Opera, Rhapsody in Blue, musik klasik ringan dan jazz, dokumenter TV dan acara polisi, Monet dan Ken Done, Tim Winton, Jane Austen, dan banyak lagi dapat memberi tahu kita apa yang membentuk budaya middlebrow saat ini. americandreamdrivein.com

Udara dan Rahmat

Dari dekade awal abad ke-20, kekuatan kembar baru dari budaya tinggi modernis dan budaya komersial massal menghasilkan pertengkaran berkelanjutan atas nilai budaya dan otoritas di antara para kritikus dan konsumen dalam “pertempuran alis”.

Bahasa alis menunjukkan tidak hanya perbedaan tetapi juga selera yang sangat berlawanan. Lebih buruk lagi, tiga tingkat alis bisa dianggap mewakili selera kelas atas, rendah dan menengah. Setiap kenaikan dari bawah mengancam mereka yang di atas.

Yang paling mengancam elit budaya bukanlah yang vulgar, tetapi pretensi para middlebrow terhadap budaya dan selera yang baik. Seperti yang dikatakan Virginia Woolf, middlebrow adalah: “Dengan kecerdasan yang tidak terkendali dalam mengejar tidak ada satu objek pun, baik seni itu sendiri maupun kehidupan itu sendiri, tetapi keduanya bercampur tak dapat dibedakan, dan agak menjijikkan, dengan uang, ketenaran, kekuasaan, atau prestise.”

Seni Middlebrow meniru seni yang serius, tetapi hanya menawarkan kesenangan yang mudah. Konsumen Middlebrow menginginkan budaya, tetapi prestise sosialnya. Institusi Middlebrow seperti klub buku atau radio membuat budaya tinggi dapat diakses oleh semua, yang konon “membodohi” dalam prosesnya.

Proyek Australian Cultural Fields melakukan survei nasional tentang preferensi budaya Australia pada tahun 2015, dan dalam buku baru, Fields, Capitals, Habitus: Budaya Australia, Divisi Sosial dan Ketimpangan, perhatian khusus diberikan pada “ruang tengah” budaya Australia. selera dan keterlibatan.

Peta tengah

Suka dan tidak suka individu untuk jenis buku, seni, musik, TV, warisan dan olahraga tertentu, dan partisipasi dalam kegiatan budaya, dipetakan sehingga preferensi bersama akan dikelompokkan bersama. Begitu pula sikap terhadap artis, penulis, komposer, dan tokoh TV dan olah raga tertentu. Hasil ini dipetakan terhadap variabel sosial termasuk usia, jenis kelamin, pendidikan dan kelas pekerjaan.

Latihan ini mengungkapkan dua zona rasa dan keterlibatan yang sangat berbeda, dan ruang tengah yang padat di antaranya.

Di satu sisi adalah zona partisipasi rendah (42% dari mereka yang disurvei) di mana tanggapan negatif terdaftar untuk hampir semua jenis buku, untuk Impresionisme, Renaisans dan seni abstrak, musik klasik ringan dan klasik, seni TV dan program dokumenter, dan banyak lagi.

Suka dan keterlibatan dibatasi pada TV komersial, acara realitas dan olahraga, musik country, lanskap dan potret, buku olahraga, penulis Stephen King, warisan keluarga dan tanah air, dan liga rugby.

Di sisi lain (21%), selera positif dominan, terutama untuk barang-barang yang secara tradisional bergengsi atau “terpelajar” seperti sastra klasik, novel modern, Impresionisme, buku-buku Pribumi, warisan Aborigin dan migran, ABC dan SBS, penulis David Malouf dan artis Margaret Preston. Yang tidak suka mendaftar untuk genre populer atau deklassé tertentu termasuk musik dansa dan lanskap.

Tetapi konsentrasi suka dan tidak suka yang paling padat berada di tengah budaya. Ini membantu kami memvisualisasikan middlebrow. Tanggapan positif berkumpul di sekitar musik klasik, seni Aborigin dan Renaisans, sejarah dan biografi Australia, novel kriminal, berita TV, dan program gaya hidup.

Dalam hal seniman dan karya bernama, ruang tengah bahkan lebih ramai. Di bidang sastra, Jane Austen duduk dengan bangga di tengah, bersama penulis seperti Bryce Courtenay, Jodi Picoult dan Woolf, dan pelukis Rembrandt, Monet, dan Jackson Pollock. Secara musikal, Nessun Dorma dan Phantom of the Opera sedang bermain.

Tidak suka juga termasuk dalam ruang tengah: untuk Ben Quilty, Francis Bacon, Kate Grenville, Ian Rankin, Ai Weiwei dan Caravaggio (bersama Stephen King, Big Brother dan Kylie Minogue!). Kehadiran tanggapan negatif, bagaimanapun, menunjukkan modal budaya bahwa penting untuk memiliki pandangan tentang angka-angka tersebut, bahkan jika negatif.

Siapa yang suka di tengah?

Kita dapat memetakan distribusi selera terhadap variabel sosial utama. Ruang tengah berhubungan erat dengan pekerjaan profesional-manajerial yang lebih rendah (seperti guru, kurator, akademisi); pendidikan tersier (tapi bukan pascasarjana); kelompok usia 45-64 tahun; dan penduduk perkotaan atau pinggiran kota. Wanita menempati ruang tengah; pria lebih dekat ke zona yang kurang terlibat. Tidak ada keselarasan sederhana dengan kelas; Budaya middlebrow tidak sejalan dengan “kelas menengah”.

Istilah “middlebrow” tetap sulit karena konotasinya yang merendahkan dan kuat. Apa yang dapat dikatakan pada kita adalah bahwa membayangkan budaya yang terbagi menjadi tinggi dan rendah tidak akan membawa kita terlalu jauh. Ada banyak hal yang bisa dinikmati di ruang tengah.

Read Full Article

December 24, 2020February 12, 2024 By: Chester Richards

Bagaimana Tulisan Daniel Thomas Menyampaikan Kegembiraan

Bagaimana Tulisan Daniel Thomas Menyampaikan Kegembiraan – Pada tahun 1958, ketika Daniel Thomas muda pertama kali diangkat di Galeri Seni New South Wales, kata “kurator” tidak ada dalam kamus Dewan Layanan Umum. Dia merasa gelar resminya sebagai “asisten profesional” tidak akurat sehingga dia menandatangani suratnya “asisten kuratorial”.

Belakangan, birokrasi mengadopsi bahasanya dan istilah itu masih digunakan untuk menggambarkan posisi kuratorial entry level bagi lulusan baru.

Bagaimana Tulisan Daniel Thomas Menyampaikan Kegembiraan Seni Kepada Orang Australia

Tahun-tahun yang saya habiskan untuk bekerja untuk Thomas sebagai asisten kuratorial di tahun 1970-an mengubah pemahaman saya tentang apa yang bisa dilakukan seni. Kelakuannya yang murah hati berarti bahwa bahkan sekarang saya terkadang mendengar suaranya di telinga saya, mempertanyakan arti sebenarnya dari sebuah kata yang ingin saya gunakan. https://americandreamdrivein.com/

Thomas telah menjadi penggerak perubahan dalam seni Australia sehingga dia telah mempengaruhi hampir setiap institusi, kurator dan seniman.

Dia, pada gilirannya, adalah kurator pertama di AGNSW, Kepala seni Australia perdana di Galeri Nasional Australia dan Direktur Galeri Seni Australia Selatan, sebelum pensiun ke Tasmania, dekat tempat kelahirannya 89 tahun lalu. Di sini dia terus menulis dan membimbing mereka yang ingin mengetahui detail kecil dan visi besar seni di Australia.

Namun, pada 1960-an dan 70-an, Thomas mungkin lebih dikenal sebagai kritikus seni yang cerdas dan informatif dari Sunday Telegraph pertama dan kemudian Sydney Morning Herald. Penunjukan pertamanya, yang saat ini dianggap sebagai konflik kepentingan, dipandang pada saat itu sebagai cara untuk mendidik masyarakat tentang pentingnya seni.

Dia juga menulis esai perseptif yang diperluas untuk Seni dan Australia dan kemudian Seni Bulanan, serta esai dalam katalog ilmiah. Antologi Steven Miller dan Hannah Fink, Recent Past: menulis seni Australia, telah mengatur tugas Hercules untuk memadatkan esensi tulisan Thomas menjadi satu volume yang menyenangkan, sumber ilmiah yang juga menyenangkan pembaca umum.

Thomas memiliki sedikit waktu untuk konstruksi teoretis. Sebaliknya dia berfokus pada seni, seniman, dan keadaan. “Kerja lapangan lebih menyenangkan daripada penelitian perpustakaan,” tulisnya saat membahas lanskap tempat John Glover melukis dan lemari cermin, yang merupakan subjek dari banyak lukisan hebat Grace Cossington Smith yang terlambat.

Penjelasan Singkat Untuk Mendidik

Beberapa sarjana memeluk pengetahuan mereka untuk diri mereka sendiri, puas untuk berkomunikasi hanya dengan rekan-rekan mereka. Thomas melihat misinya untuk menyebarkan berita, untuk memberi tahu sebanyak mungkin orang tentang kegembiraan seni yang mendalam.

Dia segera menjadi master frase cekatan. John Brack dideskripsikan sebagai “pelukis yang pandai, pandai sampai menggoda”. Lukisan Fred Williams “diinvestasikan dengan sihir”. Lukisan awal karya Janet Dawson digambarkan dengan penuh semangat sebagai “peristiwa yang menggembirakan”. Dalam kritik selanjutnya dia mencatat dengan senang hati “hal-hal yang dibuat dengan baik” Rosalie Gascoigne dan menggambarkan Dorrit Black sebagai salah satu “temperamen pendiam tapi penuh gairah” dalam seninya.

Dalam buku baru ini, Thomas telah memberikan komentar tertulis tentang tulisan dan ilustrasinya yang lalu. Catatan yang menarik, informatif dan seringkali lucu ini ditandai sebagai “DT20”.

Dalam sebuah catatan tentang Miss Australia karya Martin Sharp, misalnya, dia menulis bahwa sang seniman “menekankan bahwa lukisan itu seluruhnya dilukis olehnya”. Kemudian, hampir sebagai tambahan, Thomas mengatakan kepada pembaca Sharp tidak secara fisik melukis beberapa karya yang dikaitkan dengannya, melainkan mendelegasikan kerja keras kepada asisten studionya, Tim Lewis.

Obituari yang ditulis untuk seniman ditulis dengan tujuan untuk menilai sejarah yang lebih panjang. Dalam obituari yang dianggapnya untuk Arthur Boyd, Thomas menyimpulkan “pelukis yang tidak rata harus dinilai berdasarkan karya terbaiknya”, pengingat halus bahwa Boyd membuat banyak potboiler.

Artis pop Robert Rooney, dia menulis, “gagal dalam kursus diploma seni komersial Swinburne Technical College dalam ilustrasi dan desain tetapi tidak menyia-nyiakan pengalaman.”

‘Museum yang lebih menarik’

Karena artikel-artikel tersebut disusun dalam urutan kronologis, dimungkinkan untuk melacak bagaimana Thomas telah lama menggunakan latar belakang istimewanya untuk kebaikan.

“Pandangan sekilas anak sekolah pertama tentang pesona seni liar” muncul ketika dia menjadi siswa di Geelong Grammar, yang terinspirasi oleh seniman pengungsi Bauhaus Ludwig Hirschfeld-Mack.

Gelar Oxford dan pengetahuan mendalam tentang seni Eropa bisa mengarah pada karier di Inggris, tetapi dia memilih untuk bekerja di Australia karena, “Saya ingin museum seni kita lebih menarik.”

Esai kedua dari belakang, Spirit of Place, yang ditulis pada tahun 2018, dapat digambarkan sebagai meditasi di atas batu, pohon, kehidupan, dan seni. Thomas menganggap bagaimana tanah yang dia kenal sejak masa kanak-kanak telah berubah “di bawah pengelolaan yang tidak baik oleh manusia yang tidak bijaksana”. Plastik dicuci di pantai Selat Bass ketika dulu merupakan rumput laut.

Dia menamai rumahnya, Loeyunnila, kata yang digunakan orang Aborigin dari Port Sorrell untuk “angin kencang”. Tapi dia juga ingat, bagaimana orang Aborigin dari tempat ini dibawa dengan perahu di “pengasingan yang setara dengan hukuman mati”. Ada ketegangan antara penghargaannya terhadap budaya Aborigin yang langgeng dan pengetahuan bahwa nenek moyang langsungnya yang merampas tanah mereka.

Dia menyelesaikan ini dengan menyarankan bahwa “orang Aborigin menaklukkan kembali pikiran penjajah mereka, sama seperti orang Yunani menaklukkan kembali Romawi kuno”. Seperti kebanyakan tulisan Thomas, ini adalah ide yang patut diperdebatkan.

Read Full Article

May 14, 2020February 12, 2024 By: Chester Richards

Tren Desain Grafis Yang Terdapat di Tahun 2020

Tren Desain Grafis Yang Terdapat di Tahun 2020 – Desain grafis merupakan salah satu hal yang penting dalam dunia bisnis dan menjadi faktor yang mendukung bagi sebuah produk. Dengan adanya desain grafis, bisnis dapat dikembangkan dan dipasarkan kepada target pasarnya. Selain itu, desain juga dapat menjadi sebuah tolak ukur untuk perkembangan zaman.

Seorang desainer tentunya harus bisa melihat desain yang sedang tren saat ini agar produk atau bisnisnya dapat sesuai dengan minat orang-orang di dunia. Desain grafis juga merupakan salah satu faktor penting sebagai penentu selera masyarakat. Untuk itu dalam artikel ini kami akan memberikan beberapa tren desain pada tahun 2020. Yuk, simak dibawah ini.

Monokrom dan Warna yang Kontras

Hal pertama yang harus kalian ketahui untuk tren desain di tahun 2020 yaitu penggunaan warna-warna monokrom dengan warna yang kontras, serta kecenderungan warna-warna yang cerah dan tegas.

Seperti yang kita tahu, akhir-akhir ini sering kita melihat kecenderungan desainer grafis dan web yang menggunakan efek warna monokrom di gambar yang mereka buat. Filter warna duotone ini digunakan di foto atau elemen parsial dalam komposisi grafik. Penggunaan filter ini tentunya melibatkan warna-warna yang cenderung cerah dan kontras satu sama lainnya. joker123

Selain itu dalam segi penggunaan warna untuk ilustrasi, cenderung menggunakan warna-warna cerah yang tegas, seperti warna-warna neon. Dalam desain grafis, warna-warna cerah ini biasanya dianggap sebagai warna futuristik yang sering dikaitkan dengan Cyberpunk, genre fiksi ilmiah yang menggambarkan kota-kota gelap, futuristik, dengan banyak neon di sana sini. www.americannamedaycalendar.com

Tipografi Unik dan Custom

Seperti pada tahun-tahun sebelumnya, penggunaan tipografi masih jadi sebuah hal yang penting dalam desain grafis. Demi menciptakan komposisi yang lebih modern dan inovatif, desainer akan lebih banyak menggunakan tipografi khusus yang dipersonalisasi. Tren ini diperkirakan akan terus berkembang di tahun 2020.

Dalam beberapa tahun belakangan tipografi menjadi lebih beragam, lebih berani, dan lebih berekspresi dengan cara yang belum pernah kita lihat sebelumnya. Hal tersebut menunjukkan bahwa komposisi yang ada pada teks tidak membatasi desainer untuk selalu bereskperimen dalam mencari bentuk tipografi yang unik berdasarkan pada personalisasi produk atau brand.

Salah satu hal yang patut menjadi perhatian adalah harga lisensi font yang semakin mahal, terutama untuk merek global. Sehingga untuk personalisasi font khusus secara profesional juga membutuhkan dana yang tidak sedikit. Membuat font khusus untuk merek atau brand bisa menjadi hal yang baik untuk lebih menonjolkan diri di tahun 2020 ini. Tipografi khusus dan unik akan menjadi tren besar pada tahun 2020.

Desain Geometrik

Sebagai salah satu elemen dasar dari desain grafis, garis juga dapat mengekspresikan bentuk dan sifat dari sebuah objek. Garis-garis geometris menggambarkan benda yang dibuat oleh manusia dan teknologi, sedangkan garis lengkung menggambarkan bentuk yang alami.

Pada tahun 2020 ini perpaduan dari kedua garis tersebut sehingga dapat menciptakan sebuah bentuk yang indah yang terlihat tidak nyata atau tidak mungkin. Para desainer menggabungkan kedua bentuk garis-garis geometri tersebut untuk menciptakan desain yang futuristik dan misterius. Desain seperti ini akan populer pada tahun 2020.

Desain garis yang tipis, ramping, abstrak dan sulit dilakukan tanpa bantuan dari komputer, akan semakin populer di bidang teknologi dan branding karena dapat mengekspresikan teknologi masa depan. Desain geometris mungkin akan terlihat sederhana tetapi sebenarnya membutuhkan banyak kesabaran dan waktu untuk menciptakan komposisi yang dapat membawa makna yang dapat dipahami oleh audience.

Isometri Ilustrasi

Siapa yang tidak mengenal ilustrasi atau desain isometrik? Ilustrasi atau desain isometrik sebenarnya sudah menjadi tren selama bertahun-tahun dan ilustrasi ini sudah mempunyai banyak perubahan. Ilustrasi isometrik sudah banyak digunakan untuk desain infografis, desain presentasi, dan desain web. Ilustrasi ini banyak disukai oleh para desainer karena kemampuan mereka untuk menggambarkan objek 3 dimensi ke dalam permukaan 2 dimensi.

Seperti yang sudah dijelaskan sebelumnya, ilustrasi ini sudah mengalami berbagai macam perubahan, namun pada tahun 2020 ini perubahan yang paling mencolok adalah adanya animasi pada ilustrasi tersebut. Karena pada tahun 2020, animasi adalah segalanya. Ilustrasi atau desain isometrik berkembang menjadi sebuah karya visual yang sangat menarik dalam bentuk animasi. Pernyataan objek 3 dimensi ke dalam permukaan 2 dimensi terlihat menjadi lebih nyata dari sebelumnya.

Simplified Illustrations

Ilustrasi dalam sebuah desain grafis juga menjadi salah satu poin penting untuk menyampaikan informasi, maksud dan tujuan dari karya atau produk yang dibuat. Ilustrasi digunakan sebagai aspek visual yang digunakan desainer untuk menyampaikan maksud dan tujuan dari karya atau produknya, sehingga biasanya ilustrasi yang dibuat disesuaikan dengan konsep dan ide untuk mengkomunikasikan pesan dengan lebih baik. Ketika ilustrasi menjadi hal yang penting maka di tahun 2020, ilustrasi yang lebih simpel atau sederhana menjadi pilihan utama.

Ilustrasi yang simpel atau sederhana memungkinkan desainer untuk lebih fokus terhadap pesan yang disampaikan bukan pada seni atau gambar yang ada pada karya tersebut. Pada tahun 2020, ilustrasi yang digunakan akan lebih menjurus pada ilustrasi sederhana, sama, dan bahkan terlihat kekanak-kanakan.

Collages of Drawings and Photos

Tren yang cukup menarik dan kreatif yang mulai banyak digunakan pada tahun 2020 adalah kombinasi foto dan gambar atau doodle. Doodling telah mulai menjadi sebuah tren yang menyenangkan di dunia ilustrasi bahkan jauh sebelum menjadi sebuah tren seperti sekarang ini. Bisa kita ingat ketika dulu masih berada di bangku sekolah kita biasanya suka mencorat-coret buku catatan atau buku pelajaran dengan gambar-gambar doodle, mungkin ini terinspirasi dari hal tersebut.

Mencoret-coret, dengan tangan, kadang terlihat abstrak, tidak rapih namun menyimpan sebuah personalisasi dari desainer masing-masing. Hal ini membuat doodle yang satu dengan lainnya berbeda sesuai dengan coretan para desainernya. Tahun 2020, desainer coba menggabungkan foto dan ilustrasi sederhana menggantikan bagian foto atau seakan berinteraksi dengan foto.

Mirip dengan kebiasaan mencoret-coret pada buku atau pada papan mading tetapi dengan porsi yang jauh lebih kreatif. Sudah dipastikan tren ini akan ditemui pada tahun 2020, karena merupakan predisposisi kreativitas dan merupakan sebuah peluang besar untuk menciptakan sebuah karya yang unik.

Penggunaan 3D yang Realistis

Salah satu hal yang semakin menjadi tren adalah penggunaan 3D. Tren ini mencapai puncaknya di tahun 2019 dengan berbagai karya dan penggunaan desain grafis berorientasi 3D, yang tentunya tidak membuat tren ini dapat hilang dengan cepat. Berkat teknologi modern, pada tahun 2020 kita akan terus melihat komposisi 3D yang lebih mengagumkan. Selain itu agar nampak lebih kreatif, kadang desainer menggabungkannya dengan beberapa realitas lain.

Selain komposisi karakter dalam bentuk 3D, dengan menggunakan teknologi modern memungkinkan kita untuk memanfaatkan penggunaan bentuk 3D untuk memberikan pengalaman nyata, seperti pada ikon atau tombol aplikasi. Hal tersebut bisa menciptakan pengalaman sentuhan untuk pengguna dan mengurangi kerataan tanpa mendominasi estetika visual layar.

Image and Text Masking

Gambar dan text adalah dua elemen yang penting dalam sebuah desain grafis, lalu bagaimana bila keduanya dipadukan? Sebuah tren yang cukup sering dipakai oleh para desainer grafis saat ini adalah text masking pada gambar. Dengan menyembunyikan sebagian gambar dan teks akan terlihat cukup modern dan tampak lebih misterius serta futuristik. Seperti kebanyakan tren pada tahun 2020, yakni desain yang cukup minimalis dan simpel.

Dengan menggunakan text masking tersebut dapat membantu desainer membuat desain yang terlihat cukup minimalis tanpa adanya banyak gambar pada satu frame tersebut. Tidak hanya sampai disitu, pada tahun 2020 desainer akan terus membuat komposisi gambar dan text masking hingga mendapatkan efek yang diinginkan.

Read Full Article

May 14, 2020February 12, 2024 By: Chester Richards

Inilah Tokoh Seni Patung Yang Ada di Indonesia

Inilah Tokoh Seni Patung Yang Ada di Indonesia – Seni patung adalah hasil ekspresi jiwa manusia dengan menciptakan bentuk visual melalui media tiga dimensi yang bertujuan untuk keindahan. Seni patung dapat dengan mudah dijumpai bahkan di jalan-jalan. Biasanya dibangun sebagai monumen atau memperingati jasa atas peristiwa yang pernah terjadi.

Patung tentu tidak terbentuk sendiri, ada penciptanya yang mendesain bentuk dari setiap patung yang bermakna ini. Berikut ini adalah beberapa tokoh yang telah menciptakan beragam karya patung di Indonesia.

I Nyoman Nuarta

Seniman yang berasl dari Bali ini lahir di Tabanan pada 14 November 1951. Pria ini dikenal karena karyanya yang mendunia yakni GWK (Garuda Wisnu Kencana), Monumen Jalesveva Jayamahe serta Monumen Proklamasi Indonesia. Nyoman dibesarkan di sebuah keluarga dengan latar belakang pengusaha yang terbilang cukup sukses. Kemudian untuk mengasah bakatnya di bidang seni, Nyoman mengambil studi jurusan Seni Rupa di Institut Teknologi Bandung (ITB) pada tahun 1972. Dan sejak itulah karirnya di dunia seni dimulai.

Pada mulanya, pria kelahiran Tabanan ini lebih tertarik pada seni lukis, tapi, semenjak ia mengambil kuliah di jurusan seni patung, pada akhirnya Nyoman menyadari bahwa minat serta bakatnya berada di dunia seni patung. Awal titik balik hidupnya adalah ketika ia mengikuti lomba desain patung proklamator Indonesia.

Ali Umar

Ali Umar adalah seorang seniman patung yang lahir di Padang Pariaman, Sumatera Barat pada tahun 1967. Ia meraih gelar S1 bidang seni (S.Sn.) dari Institusi Seni Indonesia Yogyakarta. Umar mulai menekuni dunia seni patung saat ia masuk Fakultas Seni Rupa dan Desain dan mengambil jurusan seni patung. Semua karya-karyanya menggambarkan sikap pribadi seorang Ali Umar yang sangat peka terhadap realitas seksual. Selain itu, salah satu idealismenya dalam menciptakan karyanya adalah agama. daftar joker388

Edhi Sunarso

Pematung Indonesia ini lahir di Salatiga, pada tanggal 2 Juli 1932. Selain menjadi seniman seni patung, Edhi juga mengemban amanah sebagai staff yang mengajar di Akademi Kesenian Surakarta. Selain itu, Edi juga pernah mengajar dan menjadi ketua jurusan seni patung di Sekokah Tinggri Seni Rupa Indonesia Yogyakarta. https://www.americannamedaycalendar.com/

Beberapa tahun berikutnya beliau menjadi tenaga pengajar di IKIP (Institut Kejuruan Ilmu Pendidikan) Negeri Yogyakarta lalu juga menjadi tenaga pengajar di ISI (Institut Seni Indonesia). Banyak sekali karya yang sudah diciptakan oleh tangan pematung satu ini diantaranya yakni Patung Selamat Datang di Bundaran Hotel Indonesia dan Diorama Sejarah Monumen Nasional di Jakarta.

Abdi Setiawan

Seniman Abdi Setiawan berasal dari Padang. Ia lahir di Sicincin, Pariaman, Sumatera Barat pada 29 Desember 1971. Yang unik dari semua hasil karya seniman yang saat ini menetap di Yogyakarta ini adalah karya dalam bentuk instalasi dan patung berukuran life size atau seluruh tubuh. Instalasi dan patung yang diciptakannya mengisahkan kehidupan yang biasa dijalani oleh orang-orang Indonesia dari berbagai status sosial.

Jhoni Waldi

Pria satu ini lahir di Bukittinggi, Sumatera Barat pada tanggal 29 Juni 1972. Pria yang menimba ilmu di Institut Seni Indonesia Yogyakarta ini berhasil menjadi pematung profesional yang karyanya dikenal banyak orang.

Kasman K.S

Tokoh seni patung Kasman KS adalah salah satu legenda dalam dunia seni patung Indonesia, beliau lahir 66 tahun yang lalu di Batu Kambing, Agam, Sumatera Barat pada 19 Desember 1954 dan meninggal di Yogyakarta pada tanggal 10 November 2009 (54 tahun). Kasman KS adalah salah satu dari pendiri Asosiasi Pematung Indonesia (API).

Selain bergabung dan mendirikan API, Kasman juga pernah menjadi ketua komunitas seni sekato yaitu sebuah kelompok perupa Indonesia dimana seluruh anggotanya merupakan mahasiswa dan alumni dari Institut Seni Yogyakarta yang berasal dari Sumatera Barat atau dari etnis Minangkabau.

Arlan Kamil

Lulusan Fakultas Seni Rupa jurusan seni patung Institut Seni Indonesia Yogyakarta ini akhirnya sukses menjadi seorang pematung setelah kerja kerasnya di sebuah pusat kerajinan patung-patung publik di Padang. Keyakinannya pada dunia seni patung membawa Arlan ke Yogyakarta untuk menjalani studi dan menyelesaikannya pada tahun 1992.

Syahrizal Koto

Pemilik nama lengkap Syahrizal Zain Koto ini adalah seorang pematung yang berasal dari Pariaman, Sumatera Barat yang lahir pada 6 September 1960. Beliau mengambil pendidikan terakhir di fakultas seni rupa jurusan seni patung di ISI Yogyakarta. Semasa hidupnya, Syahrizal Koto telah meraih berbagai macam penghargaan.

Basrizal Albara

Basrizal bukan berasal dari keluarga seniman. Seniman yang lahir di bengkalis, Riau pada 30 Maret 1966 ini lahir di keluarga PNS. Ia merupakan satu-satunya anak yang memilih berkarir di dunia seni dan akhirnya menjadi pematung. Setelah menyelesaikan pendidikan di jurusan seni patung di Sekolah Menengah Seni Rupa (SMSR), Padang ia selanjutnya pindah ke Yogyakarta untuk menempuh pendidikan di Institut Seni Indonesia (ISI), Yogyakarta.

Dolorosa Sinaga

Pematung dari Sumatera Utara ini awalnya tak memiliki cita-cita menjadi pematung atau seniman. Namun sejak menempuh pendidikan di Institut Kesenian Jakarta (IKJ) ia mulai serius dan berfokus penuh pada karya seni patung.

Setelah menyelesaikan studi di IKJ, Dolorosa memutuskan untuk melanjutkan pendidikannya di St. Martins School of Art London, Inggris dan menambah ilmunya di Karnarija Lubliyana, Yugoslavia dan di Piero’s Art Foundry Berkeley, Amerika Serikat. Beberapa karyanya telah tersebar di beberapa negara, salah satunya di Malaysia.

Nuzurulis Koto

Pematung satu ini menempuh pendidikan formal dalam bidang seni di akademi Rupa Surabaya (AKSERA) pada tahun 1967. Nurzulis Koto tak hanya dikenal sebagai pematung, ia juga dikenal sebagai seorang pelukis dan pencipta keramik.

Herry Maizul

Pria asal Padang Panjang ini adalah pematung senior dan pemimpin kelompok Khatulistiwa di Yogyakarta yang lahir di Sumatera Barat pada tahun 1963. Apakah kalian tahu patung Ronald McDonald Indonesia yang ikonik? Beliau lah yang menciptakan patung tersebut berdasarkan pesanan dari pihak McDonald’s Indonesia. Patung tersebut tersebar di seluruh Indonesia juga kawasan Asia Pasifik lainnya.

Arby Samah Datuak Majo Indo

Tokoh seni patung lain dalam dunia seni patung Indonesia yakni Arby Samah atau yang bernama lengkap H. Arby Samah Datuak Majo Indo. Beliau lahir di Pandai Sikek, Tanah Datar, Sumatera Barat pada tanggal 1 April 1933.

Karya-karya patung yang tercipta dari kepiawaian tangannya ini beraliran abstrak. Dan beliau tercatat sebagai seniman patung atau pematung pertama yang ada di Indonesia. Sang legenda ini menempuh pendidikan seni di Akademi Seni Rupa Indonesia Yogyakarta (ASRI Yogyakarta) pada tahun 1953.

Yusman

Pematung yang karyanya sangat terkenal di Indonesia ini lahir di Padang, 12 November 1964. Menurutnya, sejarah tak hanya hadir dalam wujud teks atau buku, tetapi juga dapat dihadirkan dan digambarkan melalui ukiran sebuah patung. Baik tokoh ataupun peristiwa. Menurutnya juga, karya patung mampu merekonstruksi peristiwa atau sejarah di masa lalu.

Gregorius Sidharta

Sedikit berbeda dari tokoh seni patung Indonesia yang kebanyakan lahir di Sumatera kemudian pindah ke Yogyakarta, Sidharta adalah pribumi asli kota Gudeg alias Yogyakarta. Beliau lahir pada tanggal 30 November 1932 lalu. Sidharta disebut-sebut sebagai tokoh pembaharuan dalam dunia seni patung di Indonesia.

Sebelum beralih ke seni patung, Sidharta sempat mempelajari dasar-dasar melukis dari tokoh seni lukis seperti Hendra Gunawan dan Trubus pada tahun 1950-an.

Read Full Article

May 14, 2020May 26, 2024 By: Chester Richards

Seni Arsitektur Bersejarah Yang Ada di Indonesia

Seni Arsitektur Bersejarah Yang Ada di Indonesia – Mungkin bangunan bersejarah yang paling dikenal di Indonesia adalah Candi Borobudur dan Candi Prambanan. Namun, masih ada berbagai bangunan bersejarah di Indonesia yang memiliki arsitektur menakjubkan. Dalam kurun waktu lebih dari 4 abad, zaman kolonial juga menciptakan banyak karya arsitektur bangunan yang memperkaya dunia arsitektur Indonesia.

Berbagai perpaduan unsur budaya dari beragam ras, bangsa, dan agama melahirkan arsitektur bangunan bersejarah yang menawan dan berperan penting dalam perkembangan arsitektur tanah air. Dari arsitektur bangunan bersejarah ini, kita bisa mempelajari seberapa penting sejarah perkembangan manusia.

Kreativitas dan daya imajinasi manusia dalam mewadahi kebutuhannya terhadap ruang fungsional melahirkan karya arsitektur yang luar biasa. Dedikasi pada karya arsitektur itu juga telah menciptakan arsitektur bersejarah, yang diakui secara luas, dan tak lekang oleh waktu. Berikut ini adalah arsitektur bangunan bersejarah di Indonesia.

Candi Borobudur

Candi Borobudur dibangun pada masa Raja Samaratungga dari wangsa Syailendra pada tahun 825 M. Candi Buddha terbesar di dunia yang telah diakui UNESCO sebagai salah satu keajaiban dunia ini mempunyai tinggi 42 m, dengan 10 tingkat yang mewakili kamadhatu (manusia yang terikat hawa nafsu), rupadathu (manusia yang telah terbebas dari hawa nafsu, namun masih terikat rupa dan bentuk), dan arupadhatu (manusia yang telah terbebas dari nafsu, rupa, dan bentuk). daftar joker123

Gunadharma, sang arsitek, dengan detail menorehkan 2.672 panel relief (yang bila dijajarkan memiliki panjang 6 km), yang dilukiskan secara beruntun searah jarum jam. Candi Borobudur dibangun dengan teknik tinggi, dibuat dari batu kali yang tersusun rapih dengan sistem interlock (saling mengunci satu sama lain). Sebagai candi Buddha, Borobudur dilengkapi 504 patung Buddha, dengan kubah utama dikelilingi 72 patung Buddha yang masing-masing terletak di dalam stupa berlubang. pafikebasen.org

Candi Prambanan

Candi Prambanan berkaitan dengan legenda Roro Jonggrang. Candi yang juga dikenal sebagai kompleks Seribu Candi ini mempunyai banyak candi dengan candi utama setinggi 47 m sebagai ‘tandingan’ Candi Borobudur, sebagai lambang kejayaan Hindu dan redupnya zaman kerajaan Buddha di Indonesia. Candi Prambanan didirikan sebagai pemujaan untuk Dewa Siwa, dewa pelebur yang melebur segala sesuatu yang sudah usang dan tak layak berada di dunia fana lagi sehingga harus dikembalikan ke asalnya.

Prambanan berdiri di perbatasan Jawa Tengah dan Yogyakarta. Candi Prambanan termasuk Situs Warisan Dunia UNESCO, diakui sebagai candi Hindu terbesar di Indonesia, sekaligus salah satu candi paling indah di Asia Tenggara.

Gedung Sate

Jangan salah mengira dan menganggap Gedung Sate sebagai gedung yang berbentuk seperti sate atau sebuah gedung tempat menjual berbagai jenis sate. Gedung yang dibangun tahun 1920 ini dikenal sebagai Gedung Sate karena memiliki ciri khas yang unik, yakni ornamen 6 tusuk sate yang terdapat di atas menara sentral sebagai lambang 6 juta Gulden yang digunakan untuk pembangunannya. Gedung ini sangat terkenal tak hanya di kota Bandung saja, melainkan juga di Jawa Barat bahkan seluruh Indonesia. Gedung Sate masih berdiri kokoh dan berfungsi sebagai pusat pemerintahan Kota Bandung.

Gedung Sate dikenal karena arsitekturnya yang megah, sarat budaya dan sejarah. Dalam pembangunannya, dibutuhkan 2.000 pekerja dari beragam etnis, termasuk 150 tukang kayu dan pemahat batu handal dari Cina.

Lawang Sewu

Dalam bahasa jawa, Lawang Sewu berarti seribu pintu. Memang jumlah pintu bangunan yang dibangun tahun 1907 ini sangat banyak, namun tak mencapai 1000 pintu. Lawang Sewu berlokasi di sebelah timur Tugu Muda Semarang, di sudut Jalan Pandanaran dan Jalan Pemuda.

Bangunan tiga lantai berarsitektur Belanda ini sangat unik, pintunya sangat banyak disertai jendela yang sangat tinggi dan lebar. Di lantai utama, di dekat tangga menuju lantai dua, terdapat sebuah kaca besar berlukiskan dua wanita Belanda yang sangat indah. Inilah sebabnya, Lawang Sewu menjadi tempat wisata eksotik yang sangat digemari berbagai kalangan.

Kelenteng Sam Po Kong

Kelenteng Sam Po Kong dulu dikenal sebagai Gedung Batu karena bentuknya mirip goa batu besar pada bukit batu. Gedung Batu atau Kedong Batu berarti tumpukan batu alam untuk membendung Sungai Kaligarang pada abad ke-15. Kelenteng ini adalah petilasan Sam Po Tay Djien atau yang lebih dikenal dengan Laksamana Cheng Ho dari Cina, dan sekarang lebih difungsikan sebagai tempat peringatan dan ibadah. Kelenteng ini berarsitektur perpaduan budaya lokal dan Cina, berlokasi di daerah Simongan, barat daya Kota Semarang.

Pagoda Watugong

Pagoda Avalokitesvara atau sering disebut Pagoda Mettakaruna berarti pagoda cinta dan kasih sayang. Berdiri di kawasan Watugong (disebut demikian karena ada batu berbentuk seperti gong). Vihara Buddhagaya terdiri dari 5 bangunan dengan 2 bangunan utama, yakni Pagoda Avalokitesvara dan Vihara Dhammasala yang dibangun pada tahun 1955 dengan material yang didatangkan langsung dari Cina.

Ketinggian Pagoda Avalokitesvara mencapai 45 m dengan 7 tingkat yang mengecil ke bagian atasnya, dengan makna kesucian yang akan diraih oleh pertapa setelah mencapai tingkat ke-7 atau nibbana. Perpaduan warna merah dan kuning pada pagoda ini identik dengan bangunan khas Tiongkok. Di dalam pagoda berukuran 15×15 meter dengan bentuk dasar segi delapan ini ada patung Dewi Kwan Im setinggi 5,1 m dan patung Panglima We Do di sebelahnya.

Pada jendela di tingkat ke-2 sampai ke-6, ada patung Dewi Kwan Im yang menghadap empat penjuru mata angin, sebagai lambang pancaran welas asih ke empat penjuru. Di bagian puncak ada stupa untuk menyimpan relik mutiara Buddha. Namun, tak ada tangga untuk mengakses puncak pagoda. Total patung dalam bangunan yang mendapatkan rekor MURI sebagai pagoda tertinggi di Indonesia pada tahun 2006 ini ada 30 buah.

Masjid Istiqlal

Masjid Istiqlal menjadi cerminan kebersamaan dalam kebhinnekaan dan keragaman agama di Indonesia. Masjid terbesar di Asia Tenggara dan Asia Timur ini adalah hasil rancangan Frederich Silaban yang merupakan seorang Protestan. Masjid yang pembuatannya dimulai pada 24 Agustus 1951 dan selesai pada 22 Februari 1978 ini mempunyai gaya arsitektur Islam modern internasional yang menampilkan bentuk-bentuk geometri sederhana seperti kubus, persegi, dan kubah bola ukuran raksasa yang dihiasi beberapa ornamen.

Keberadaan kubah bola raksasa difungsikan untuk memberikan kesan agung dan monumental. Uniknya kubah raksasa dari masjid Istiqlal dibuat dengan konsep arsitektur minimalis, menggunakan marmer putih dan baja antikarat (stainless steel) yang bersifat kokoh, netral, sederhana, dan sesuai dengan iklim tropis. Selain arsitektur islam modern dan minimalis, arsitektur Timur Tengah juga diterapkan melalui hiasan kaligrafi di bagian dalam kubah masjid. Keberadaan menara tunggal dengan tinggi total 96,66 meter menjulang di sudut selatan selasar menjadikan masjid ini begitu ikonik.

Gereja Katedral

Bangunan Gereja Katedral Jakarta dengan tinggi 60 m yang megah ini mulai dibangun pada tahun 1891 untuk menggantikan bangunan gereja lama buatan Belanda yang hancur pada tanggal 9 April 1890 pukul 10.45 WIB tepat 3 hari setelah perayaan Paskah. Setelah melalui serangkaian hambatan perizinan dan pendanaan, akhirnya pada 21 April 1901 Gereja Katedral diresmikan dengan nama “De Kerk van Onze Lieve Vrowe ten Hemelopneming – Gereja Santa Maria Diangkat Ke Surga”.

Arsitektur neo-gotik menjadi konsep gedung yang dibangun dengan biaya 628.000 gulden hasil penggalangan dana dari jemaat di Indonesia. Para pejabat Belanda saat itu, menilai gereja hasil karya Pastor Antonius Dijkmans ini “terlampau kokoh” karena struktur gedung dan material yang digunakan adalah yang terbaik.

Read Full Article

May 14, 2020May 26, 2024 By: Chester Richards

Sejarah Seni Visual Yang Ada di Indonesia

Sejarah Seni Visual Yang Ada di Indonesia – Seni visual merupakan cabang seni yang memiliki sejarah yang panjang. Awalnya, diketahui bahwa nenek moyang manusia telah meninggalkan jejak pada dinding-dinding gua sebagai penggambaran bagian-bagian penting kehidupan.

Keterkaitannya dengan sejarah seni visual Indonesia, dapat dilihat pada gambar cap-cap tangan yang ditemukan di Goa Leang-Leang Maros (Sulawesi Selatan). Lukisan pada goa tersebut diperkirakan sudah berumur 4.000 tahun.

Di goa tersebut, selain cap-cap tangan objek seni visual yang sering dihadirkan adalah manusia dan binatang. Tidak terkecuali objek-objek alam lain seperti pohon, bukit, gunung, sungai, dan laut. Tentunya bentuk yang di gambar tak selalu mirip dengan aslinya.

Mungkin benar jika dikatakan bahwa seni sama tuanya dengan kehidupan manusia. Pada mulanya kebutuhan manusia terhadap seni adalah sebagai sarana mencari kekuatan di luar diri manusia yang bersifat magis, sakral dan religius. joker388

Periode Seni Visual Indonesia Prasejarah

Pada zaman prasejarah, zaman ketika masih tidak diketahuinya sumber ataupun dokumen tertulis mengenai kehidupan manusia, cikal bakal kebudayaan Indonesia teramat erat kaitannya dengan Bangsa Melayu Tua dan Melayu Muda. https://pafikebasen.org/

Pada waktu itu budaya hadir dan dikaitkan dengan sistem kepercayaan masa itu, yakni Animisme dan Dinamisme. Adapun kesenian tercipta adalah sebagai media upacara yang bersifat simbolisme.

Karya seni visual prasejarah mulai tampak tanda-tandanya pada seni bangunan dan seni lukis di zaman Mesolitikum atau Zaman Batu Madya. Zaman tersebut menjadi periode perkembangan teknologi manusia.

Sedangkan, antara Paleolitik atau Zaman Batu Tua dan Neolitik atau Zaman Batu Muda, manusia telah memiliki tempat tinggal. Di Indonesia sendiri bisa dilihat jejaknya di goa-goa di Sulawesi Selatan dan Irian Jaya. Disana manusia Indonesia telah meninggalkan jejak pada dinding-dinding goa berupa gambar dan cap-cap tangan mereka.

Pada Zaman Neolitikum bisa dilihat karya seni visual patung penggambaran leluhur yang dibuat dari batu dan kayu. Kemudian pada zaman Megalitikum manusia telah banyak menciptakan bangunan-bangunan dari batu yang berukuran besar untuk kegiatan upacara agama, seperti punden, dolmen, sarkofag, meja batu dll.

Periode Seni Visual Indonesia Klasik

Zaman Klasik dibagi menjadi dua yaitu Klasik Tua (Abad ke 8-10M) dan Klasik Muda (Abad 11-15M). Zaman klasik adalah zaman dimana masyarakatnya telah menghasilkan tonggak-toggak peradaban pertama sebagai dasar perkembangan peradaban selanjutnya.

Di zaman ini pula terdapat banyak kaidah, aturan, konsep atau norma budaya yang berkembang dan tetap digunakan hingga sekarang. Periode perkembangan agama Hindu-Budha di Nusantara adalah periode yang dinamakan dengan Zaman Klasik Indonesia

Seni visual pada zaman ini, berawal saat masuknya pengaruh Hindu-Saiwa dan Budha Mahayana ke dalam masyarakat Jawa kuno. Seiring perkembangan kedua agama yang berasal dari India tersebut menghasilkan berbagai bentuk kesenian.

Beberapa yang masih bertahan hingga saat ini adalah karya berupa arca, relief dan sangat terlihat dalam bidang arsitektur bangunan candi. Umumnya, candi-candi yang terdapat di Indonesia dibedakan menjadi Candi Hindu dan Candi Buddha.

Candi Hindu memiliki gaya India Selatan, contohnya adalah candi Syiwa Lara Jonggrang di Jawa Tengah. Candi tersebut menggambarkan penafsiran setempat yang terperinci tentang lokasi pemujaan agama Hindu yang menunjukkan ciri Syiwaisme.

Candi Buddha yang seperti terlihat pada bangunan candi Borobudur, tidak ada hubungan gaya dengan India. Borobudur terdiri atas sepuluh tingkat konsentris. Enam tingkat paling bawah dirancang sebuah bidang persegi, sementara empat tingkat di atasnya merupakan stupa utama berbentuk lingkaran.

Periode Seni Visual Indonesia Islam

Seni visual Islam adalah produk seni visual yang berkembang pada masa permulaan hingga akhir keemasan Islam. Rentang ini bisa didefinisikan meliputi Jazirah Arab, Afrika Utara, Timur Tengah, dan Eropa sejak mulai hadirnya Islam pada 571 M hingga kemunduran kekuasaan Turki Ottoman. Meskipun sebenarnya Islam dan keseniannya menyebar jauh lebih luas daripada itu dan masih bertahan sampai sekarang.

Seni visual Islam memiliki kekhususan dibanding dengan seni visual yang dikenal pada masa kini. Walau begitu, perannya sangat besar bagi perkembangan seni visual modern. Salah satunya antara lain munculnya unsur kontemporer (abstraksi dan filsafat keindahan), selain itu juga memberi inspirasi pengolahan kaligrafi menjadi motif hias.

Dekorasi di seni visual Islam lebih banyak menutupi sifat asli medium arsitektur dibandingkan dengan yang banyak ditemukan pada masa sekarang. Dekorasi ini dikenal dengan sebutan Arabesque.

Sejalan dengan masuknya Agama Islam ke Indonesia. Seni visual Islam berperan terhadap seni visual Indonesia, sebut saja Pahatan Kubur dan Masjid. Telah juga ditemukan beberapa makam Islam tertua menggunakan nisan bergaya islam. Batu nisan Hujarat dapat dijumpai di Samudera Pasai dan Gresik.

Arsitektur masjid Indonesia pun berbeda dengan yang ditemukan di negara Islam lainnya. Masjid lama dibangun dengan mengikuti prinsip dasar bangunan kayu, dan disertai dengan pembangunan pendopo di bagian depan. Selain itu juga memiliki atap tumpang yang memberi ventilasi, dan disangga dengan deretan tiang kayu.

Masjid-masjid tersebut terdapat di Cirebon, Banten, Demak, dan Kudus. Bagian dalamnya dihiasi pola bunga, satwa, dan bangun berulang. Letak piring-piring China, Vietnam, dan Thailand digunakan untuk menyamakan lantai berwarna yang ditemukan di masjid Timur Tengah dan Moghul, India.

Salah satu yang menjadi unsur penting dalam Seni Hias Islam adalah Kaligrafi Islam (Kaligrafi Arab). Kaligrafi Indonesia sebagian besar terpengaruh dari Seni Kaligrafi Arab.

Benda-benda upacara yang ada di istana-istana, seperti belati, tombak, pedang, dan panji-panji biasanya dihiasi dengan kaligrafi. Selain itu, hiasan kaligrafi juga nampak pada lukisan kaca dan ukiran kayu pada dinding istana. Tokoh wayang juga ada yang dihiasi oleh ragam hias kaligrafi untuk menyamarkan bentuk manusianya.

Periode Seni Visual Indonesia Modern

Seni visual Modern dapat dikatakan sebagai seni visual pembaharuan dengan hasil kreativitas sebagai upaya menciptakan karya baru yang didalamnya meliputi estetika, karakter, inovasi, dan originalitas. Terdapat beberapa periode perkembangan untuk seni visual modern di Indonesia.

Periode Perintis (1826-1880)

Dimulai oleh pelukis Raden Saleh yang merintis kelahiran seni visual modern berbekal pengalaman belajar melukis di luar negeri seperti di Belanda, Jerman dan Perancis. Sebagian besar karyanya memiliki corak romantis dan naturalis.

Periode Indonesia Jelita/Indie Mooi (1878-1900an)

Periode ini sebagian besar pelukisnya menggambarkan kemolekan dan keindahan objek alam. Ini adalah lanjutan dari periode perintis yang sempat hilang sepeninggalan Raden Saleh.

Dalam periode ini muncul seniman Abdullah Surio Subroto dan diwarisi oleh anak-anaknya, Sujono Abdullah, Basuki Abdullah dan Trijoto Abdullah. Pelukis-pelukis Indonesia yang lain diantaranya yakni Pirngadi, Henk Ngantung, Suyono, Suharyo, Wakidi, dll.

Periode Persagi (Persatuan Ahli-ahli Gambar Indonesia)

Periode masa pergolakan dan perjuangan Indonesia untuk memperoleh hak yang sejajar dengan bangsa-bangsa lain. Pergolakan terjadi di segala bidang tidak terkecuali bidang kesenian. Dalam periode ini ada nama pelukis S. Sudjojono sebagai pelopor berdirinya PERSAGI. Persagi bertujuan untuk mengembangkan seni lukis di Indonesia dengan menggunakan corak Indonesia asli.

Periode Pendudukan Jepang

Kegiatan melukis pada periode ini dilakukan dalam kelompok Keimin Bunka Shidoso. Bertujuan untuk propaganda pembentukan kekaisaran Asia Timur Raya. Kelompok ini didirikan oleh tentara Dai Nippon dan diawasi oleh para seniman Indonesia, Agus Jayasuminta, Otto Jaya, Subanto, Trubus, Henk Ngantung, dll.

Untuk kelompok asli Indonesia berdiri kelompok PUTRA (Pusat Tenaga Rakyat), tokoh-tokoh yang mendirikan kelompok ini adalah tokoh empat serangkai yaitu Ir. Sukarno, Moh. Hatta, KH. Dewantara dan KH. Mas Mansyur.

Khusus yang menangani bidang seni lukis adalah S. Sudjojono dan Affandi. Pelukis yang ikut bergabung dalam PUTRA adalah Hendra Gunawan, Sudarso, Barli, Wahdi, dll. Pada masa ini para seniman berkesempatan untuk melakukan pameran, misalnya pameran karya dari Basuki Abdullah, Affandi, Nyoman Ngedon, Hendra Gunawan, Henk Ngantung, Otto Jaya, dll.

Periode Akademi (1950)

Pengembangan seni visual melalui pendidikan formal. Lembaga pendidikan yang bernama ASRI yang berdiri tahun 1948. Kemudian secara formal tahun 1950 lembaga tersebut mulai membuat rumusan-rumusan untuk melahirkan seniman-seniman dan calon guru gambar. Pada tahun 1959 di Bandung dibuka jurusan seni rupa ITB, selanjutnya dibuka jurusan seni rupa di semua IKIP di seluruh Indonesia.

Periode Seni Visual Baru

Pada sekitar tahun 1974 lahir kelompok baru dalam seni lukis. Kelompok ini menampilkan corak baru dalam seni lukis Indonesia yang membebaskan diri dari batasan-batasan yang sudah ada.

Konsep kelompok ini adalah tidak membedakan disiplin seni dan menghilangkan sikap seseorang dalam mengkhususkan pembuatan karya seni. Mereka mengharapkan kreatifitas baru dan membebaskan diri dari batasan-batasan yang sudah ada serta lebih eksperimental.

Seiring perkembangannya, seperti kesenian yang lain, seni visual khususnya seni visual Indonesia tetap hidup dan berkembang sesuai dengan dinamikanya sendiri. Seni visual bermanfaat sebagai sarana kreatifitas dan komunikasi, dan sampai saat ini peranannya telah merasuk ke dalam berbagai segi kehidupan manusia.

Read Full Article

May 14, 2020February 12, 2024 By: Chester Richards

Melukis Spanduk Pecel Lele Khas Lamongan

Melukis Spanduk Pecel Lele Khas Lamongan – Sebuah rumah kecil berukuran sekitar 7×3 meter di kawasan Pekayon Jaya, Bekasi Selatan, Kota Bekasi dipenuhi warna-warni cat dan coretan tinta di dinding. Tercium juga aroma bahan kimia yang berasal dari cat-cat yang digunakan Hartono untuk melakukan pekerjaannya, melukis spanduk pecel lele khas Lamongan. Pria berumur 49 tahun itu sudah sejak 2005 pindah ke Bekasi.

Dari rumah kecilnya inilah, ia dapat menyalurkan bakat seni lukis yang ia miliki dan menjualnya hampir ke seluruh wilayah di Indonesia. “Semua wilayah di Indonesia sudah masuk, dari Aceh sampai Papua,” ujar Hartono. Sembari melukis tak lupa ia menghisap rokok, Hartono menceritakan awal mula ia menekuni bisnis pembuatan spanduk pecel lele ini. gaple online

Pada 1992, ia datang ke Jakarta, tepatnya di kawasan Pondok Pinang, Jakarta Selatan. Di sana, ia membantu saudaranya yang berdagang pecel lele, hingga akhirnya tahun 1997 ia memilih untuk berjualan sendiri. Saat itulah, ia membutuhkan spanduk untuk dipasang di tenda warungnya yang ia dirikan di kawasan Sawangan, Depok. www.benchwarmerscoffee.com

Terpikir olehnya untuk meminta bantuan teman SMP di Lamongan untuk melukiskan spanduk pecel lele. Teman Hartono, Teguh Wahono, telah lebih dulu menekuni profesi sebagai pembuat spanduk pecel lele. Berharap permintaannya dipenuhi, ternyata Teguh tak mau membuatkannya. Alasannya, Teguh yakin Hartono bisa membuatnya sendiri.

Usut punya usut, rupanya Hartono dan Teguh Wahono adalah jawara melukis saat masih bersekolah di Desa Ngayung, Maduran, Kabupaten Lamongan, Jawa Timur. Bahkan, saat SMA keduanya justru bersaing karena setelah SMP mereka berbeda sekolah. Keduanya bertemu dalam ajang Pekan Olahraga dan Seni (Porseni) tingkat kecamatan bahkan tingkat kabupaten se-Lamongan.

Beruntung bagi Hartono, ia berhasil merebut juara sementara Teguh berada di urutan kedua. Bakat melukis dan prestasi yang diraih Hartono inilah yang kemudian membuat Teguh enggan memenuhi permintaan Hartono untuk melukiskan spanduk pecel lele.

Walaupun hasilnya kurang memuaskan, setidaknya spanduk itu cukup untuk menjadi penutup dan penghias warung pecel lelenya. Ternyata hasil yang dianggapnya kurang itu justru dinilai berbeda oleh rekannya yang kemudian tertarik untuk meminta Hartono membuat spanduk warung makannya. Setelah itu, pesanan melukis di spanduk terus datang. Namun, Hartono tetap berjualan pecel lele. Proses melukis ia lakukan saat waktu senggang.

Hartono saat itu belum memantapkan dirinya menjadi pelukis spanduk pecel lele karena merasa belum mencapai target yang ia harapkan. Ya, Hartono memasang target 700 pesanan spanduk pecel lele untuk dapat fokus menjadi pebisnis spanduk pecel lele. 14 tahun berlalu, akhirnya target itu tercapai. Suami dari Sriningsih ini memutuskan untuk ‘gantung wajan’ dan berfokus berjualan spanduk pecel lele. Rata-rata spanduk bisa tahan satu sampai dua tahun, supaya setiap hari terus produksi, setidaknya ia harus memiliki 700 pelanggan. Ketika dapat pelanggan sebanyak itu, ia akhirnya berhenti berjualan pecel.

Faktor lain yang membuat Hartono ‘gantung wajan’ adalah bosan ‘kucing-kucingan’ dengan Satpol PP ataupun preman yang membuatnya berpindah-pindah tempat lokasi berjualan. “Kalau melukis spanduk kan bisa di mana aja, tidak ada pungli juga kan,” kata Hartono sambil tertawa. Pemilihan warna untuk spanduk pecel lele tersebut selalu ia buat dengan warna-warna yang mencolok. Biasanya warna mencolok yang digunakan tersebut seperti warna stabilo mulai dari kuning, oranye hingga hijau.

Bukan tanpa alasan, ternyata pemilihan warna tersebut memiliki maksud tersendiri. “Ya supaya bisa menjadi daya tarik pembeli yang lewat apalagi pas malam hari. Kalau kita pakai warna-warna yang tidak mencolok nanti gak kelihatan terang pas malam,” ungkapnya. Untuk membuat sebuah spanduk lukisan pecel lele khas Lamongan yang mencolok dan mampu menarik perhatian, Hartono menambahkan kain berwarna hijau “stabilo” di tepian kain putih yang telah ia lukis.

Hartono mengaku harga spanduknya sesuai dengan harga pasar, maksudnya ia tak mau membanderol spanduknya di bawah ataupun di atas harga pasar. Katanya, “Pengrajin spanduk ini jumlahnya bisa dihitung, tidak ada istilahnya kami bersaing .” Harga yang dibanderolnya sekitar Rp120 ribu hingga Rp145 ribu, bergantung dari ukuran, dan jumlah hewan yang digambarnya.

Biasanya, lanjutnya, satu warung memesan spanduk sepanjang 10 meter, yang terdiri dari lima meter untuk bagian depan dan 2,5 meter masing-masing untuk sisi kanan dan kiri warung. Harga paling mahal biasanya ada pada spanduk warung makanan khas Lamongan yang menyediakan beragam masakan laut. “Karena hewannya yang digambar kan lebih banyak, jadi lebih mahal,” kata Hartono.

Kurang lebih ia memerlukan modal Rp30 ribu untuk membeli kain katun tetoron, cat sablon dan penguat cat yang disebut binder. Dengan begitu ia meraup untung sekitar Rp90 ribu per meter. Hartono pun per bulannya bisa mendapat pesanan spanduk sepanjang 280 meter dan mengantongi hingga Rp25 juta per bulan.

Seiring pengalaman dan ilmu-ilmu yang terus dipelajari Hartono, ia memproduksi spanduknya dengan dua langkah yaitu, teknik sablon untuk mencetak huruf dan lukis untuk gambar binatang. Ia mengaku membutuhkan orang lain untuk melukis, namun sampai saat ini tak ada yang mau dan bisa melukis gambar seperti apa yang dilakoni si Hartono ini. Bahkan, dua putrinya tak ada yang memiliki bakat melukis seperti Hartono. “Ya memang harus ada yang bantu melukis, tapi ya pertanyaannya bisa enggak yang bantuin ini melukis seperti ini,” tambahnya.

Menurut Hartono, dunia seni itu intinya jangan merasa takut salah, apalagi jika belum mencobanya. Imajinasi memang diperlukan dalam dunia seni, namun kalau tak berani divisualisasikan akan percuma. “Belajar seni mengalir saja, sama seperti bernyanyi, kalau sudah ada bakat ya tinggal dikembangkan saja,” katanya.

Hartono pun harus menggunakan teknologi sebagai cara mempromosikan jasanya. Ia mengaku secara otodidak belajar membuat blog dan apa saja yang perlu ia tampilkan di blog. Cara ini pun berhasil membuat namanya semakin dikenal hingga luar Jawa.

Menjaga komunikasi dengan pelanggan juga dilakukan oleh Hartono, baik selama pesanan diproses sampai setelah barang diterima. Hartono selalu memberi masukan-masukan kepada pemesannya, mulai dari warna spanduk, ukuran bahkan cara memasang dengan benar. Hartono bahkan pernah memberikan saran kepada pemesannya agar warung makannya laris.

Saat itu Hartono meminta pemesannya menambah jumlah ayam atau lele dan memberikan resep sambal yang bisa membuat para pelanggan ingin kembali lagi ke warung tersebut. Hartono berharap ada generasi yang bisa menjadi penerus untuk pembuat spanduk pecel lele ini. Pasalnya, spanduk merupakan salah satu kunci pemikat orang untuk datang ke warung pecel lele.

Spanduk adalah identitas dari setiap warung pecel lele khas Lamongan. Hartono menyebut saat orang Lamongan merantau dan memilih berjualan pecel, dia ingin menggunakan spanduk yang sama seperti di kampungnya. Seperti Hartono sendiri saat ia mengawali karirnya.

Selain daya tarik, spanduk juga menjadi penanda profesionalitas si pemilik warung, kata Hartono. “Kami buat spanduk itu betul-betul supaya orang mau masuk ke dalam warung. Tapi kalau misalnya orang itu buka warung spanduknya tak menggunakan ciri khas lamongan pasti orang berpikir ia hanya usaha main-main, jadi belum profesional katanya,” papar Hartono. “Padahal ada pemain baru tapi dia pakai spanduk seperti ini ya orang jadi berpikir pasti dia sudah profesional dalam berjualan pecel lele,” tambahnya.

Read Full Article

May 14, 2020February 12, 2024 By: Chester Richards

Pengertian, Jenis, dan Unsur Seni Visual

Pengertian, Jenis, dan Unsur Seni Visual – Berbicara tentang seni memang tak akan ada habisnya. Karena, seni adalah salah satu wujud ekspresi dari seseorang yang dituangkan ke dalam bentuk imajinasi. Dimana didalamnya mengandung unsur cerita, keindahan, dan curahan hati dari si pembuat karya seni itu.

Biasanya yang dapat menikmati karya seni adalah mereka yang dapat mendalami makna dari sentuhan artistik yang ditampilkan dari sebuah hasil karya seni tersebut. daftar slot

Pengertian Seni Visual

Dalam bahasa Inggris, seni visual disebut visual arts yang artinya “seni yang terlihat”. Walaupun semua jenis seni sebenarnya dapat dilihat secara visual (contohnya, seni tari juga dapat terlihat oleh mata), namun arti kata visual arts tetap merujuk pada seni yang menampilkan bentuk atau rupa. https://www.benchwarmerscoffee.com/

Seni visual adalah salah satu cabang dari kesenian yang menciptakan suatu karya seni dengan menggunakan media yang dapat ditangkap secara kasat mata serta dapat dirasakan atau di sentuh menggunakan indera peraba.

Jadi, berdasarkan pengertian seni visual diatas, seseorang yang menciptakan sebuah karya seni akan menuangkan segala bentuk ekspresi, keindahan, serta kecintaan yang dituangkan dalam suatu media yang dapat dilihat secara langsung dengan mata dan dapat disentuh secara nyata.

Misalnya, sebuah hasil karya lukisan seorang pelukis yang menuangkan dan mengekspresikan segala macam bentuk imajinasinya ke dalam sebuah lukisan yang indah dengan memadukan warna artistik yang sangat menakjubkan.

Maka tak heran karena segala keindahan yang diciptakan dari karya seni itu dapat membuat orang yang melihatnya terhanyut ke dalam hasil karya seni itu. Hal ini berarti bahwa seni visual mampu membuat orang merasa terhibur dengan hanya melihatnya secara langsung.

Jenis-Jenis Seni Visual

Seni visual adalah salah satu cabang seni yang memiliki banyak jenis. Ini terbagi mulai dari waktu, atau masa serta fungsi dari seni visual tersebut. Berikut penjelasannya.

1. Berdasarkan Waktu atau Masa

Berdasarkan waktunya karya seni visual dibagi menjadi tiga seni yaitu seni visual tradisional, seni visual modern, dan seni visual kontemporer.

Seni Visual Tradisional

Seni visual zaman dahulu atau yang sering disebut seni visual tradisional merupakan suatu karya seni yang memiliki aturan tetap dan juga mempunyai sifat statis yang mengindikasikan bahwa hasil karya seni itu tidak mengalami segala bentuk perubahan baik dari gaya maupun bentuknya.

Dalam seni visual tradisional, aspek-aspek yang terkandung didalamnya sangatlah dijaga secara turun menurun dari generasi ke generasi berikutnya.

Seni Visual Modern

Karya dari seni visual modern merupakan sebuah hasil dari karya seni yang telah mengalami pembaharuan dari karya seni tradisional. Dimana hasil dari pembaharuan tersebut meliputi aturan ataupun pola yang telah diubah serta mengandalkan tangan yang kreatif dari si pencipta karya seni yang bersifat individu tersebut.

Contohnya adalah seni kriya, patung, seni grafis, dan lain sebagainya.

Seni Visual Kontemporer

Seni visual kontemporer adalah suatu karya seni yang muncul akibat dari suatu trend atau suatu kondisi waktu yang sangat tidak terpikirkan dan bersifat kekinian.

2. Berdasarkan Ukuran atau Dimensi

Jenis karya seni visual berdasarkan ukurannya atau dimensinya di bagi menjadi 2 yaitu karya seni 2 dimensi dan 3 dimensi.

Karya Seni Visual 2 Dimensi

Karya seni visual 2 dimensi atau yang biasa disebut dengan dwimatra adalah salah satu hasil karya seni yang hanya terbentuk dari 2 macam unsur saja, yaitu panjang dan lebar. Karya seni jenis ini hanya dapat di lihat bentuknya secara jelas dari arah tertentu.

Contohnya seperti: lukisan, seni ilustrasi, kain tenun, sketsa, kain batik, dan lain sebagainya.

Karya Seni Visual 3 Dimensi

Merupakan sebuah karya seni yang memiliki 3 unsur pembentuk utamanya, yaitu panjang, lebar dan tinggi. Ketiga unsur tersebut akan membentuk suatu ruang, bentuk, dan volume. Dimana menjadikan karya seni ini dapat dilihat dari berbagai arah. Contohnya seperti: hasil kerajinan kriya, bonsai, patung, dan lain sebagainya

3. Berdasarkan Fungsi

Berdasarkan fungsinya karya seni visual dibagi menjadi 2 kelompok yakni karya seni visual murni dan seni visual terapan.

Seni Visual Murni

Karya seni visual murni adalah salah satu bentuk dari seni yang dibuat untuk dinikmati nilai-nilai estetiknya saja. Jadi karya seni visual ini tidak dapat dimanfaatkan dalam kehidupan sehari-hari. Misalnya seperti lukisan, poster, patung, dan lain sebagainya.

Seni Visual Terapan

Karya seni visual terapan merupakan salah satu karya seni yang meninggikan fungsi gunanya dibandingkan dengan fungsi estetikanya. Jadi, karya seni visual ini dapat dimanfaatkan dalam kehidupan sehari-hari. Misalnya seperti kursi, gelas, meja, dan lain sebagainya.

Unsur-Unsur Seni Visual

Berikut ini adalah unsur-unsur dari seni visual.

Titik

Adalah salah satu unsur yang terkecil dan merupakan suatu dasar dari berbagai ide karya seni yang akan di ciptakan. Untuk membuat unsur titik ini dapat dilakukan dengan variasi jarak yang beragam antara yang satu dengan yang lainnya. Dimana bisa berjarak sempit, lebar, dan sebagainya.

Titik yang diciptakan juga bisa dipadukan dengan berbagai variasi warna. Dan hasil dari kombinasi tersebut akan menghasilkan suatu karya seni yang apik dan bagus. Teknik tersebut dikenal sebagai teknik pointilisme.

Garis

Garis merupakan salah satu unsur penggabung dari sebuah titik. Setiap garis yang di torehkan mempunyai arti bahwa sebuah watak dan ciri khas seperti keras, lentur, kaku, dan sebagainya dapat dijelaskan dengan baik hanya berdasar pada hasil karya seni itu.

Garis yang dibentuk biasanya memiliki banyak jenisnya seperti lurus, panjang, pendek, vertikal, horizontal, dan lain sebagainya. Selain itu, garis juga mempunyai wujud seperti garis nyata maupun garis semu.

Bidang

Bidang adalah salah satu bentuk pengembangan dari berbagai garis dimana bila di satukan akan membentuk beberapa sisi dari hasi karya seni visual tersebut. Bidang dalam seni visual ini memiliki sisi panjang maupun lebar dengan beragam ukuran.

Selain itu, berdasar dari bentuknya bidang dibagi atas bidang geometris dan bidang biomorfis. Yang memiliki sifat tak beraturan dan organis. Juga mempunyai unsur lebar seperti unsur isi dan volume.

Bentuk

Dengan adanya bentuk maka karya seni yang dihasilkan akan menjadi lebih hidup. Hal ini disebabkan karena adanya torehan dan detail yang sempurna sehingga karya seni yang dihasilkan sangat indah.

Ruang

Ruang merupakan salah satu unsur yang memiliki dua sifat yakni nyata dan semu. Kedua sifat yang dimilikinya jelas mempunyai hasil yang berbeda entah itu dua dimensi atau tiga dimensi.

Warna

Dalam seni visual, warna adalah salah satu unsur yang berperan penting karena bisa membuat hasil karya seni lebih indah. Perpaduan warna pada sebuah karya seni biasanya relatif dan tergantung pada si pencipta karya seni tersebut.

Dengan adanya kombinasi warna maka akan memberikan gambaran nyata dari hasil karya seninya. Karena suasana hati seperti sedang sedih atau senang akan ikut terbaca hanya dengan melihat hasil karya seni tersebut.

Tekstur

Tekstur merupakan sifat atau kondisi yang dimiliki pada sebuah hasil karya seni. Biasanya tekstur dibedakan menjadi 2 yakni tekstur semu dan tekstur nyata. Tekstur semu adalah tekstur yang memiliki kesan tak sama antara bagian penglihatannya dan indera perabanya.

Sementara tekstur nyata adalah tekstur yang dihasilkan oleh sebuah karya seni dimana antara indera penglihatan dan indera perabanya merasakan adanya kesamaan.

Gelap Terang

Dengan adanya unsur gelap terang dalam suatu karya seni dapat menjadikan hasil dari karya seni yang diciptakan terlihat lebih nyata. Hal ini disebabkan karena dalam proses pengerjaan karya seni tersebut sangat memperhatikan detail intensitas cahaya dari sebuah objek yang menjadi patokan sebuah karya seni visual.

Read Full Article