Posted on By: Chester Richards

Menyelami Keindahan Seni Visual Abstraksi Alam

Menyelami Keindahan Seni Visual Abstraksi Alam – Seni visual di Indonesia memiliki warisan yang kaya dan beragam, mencerminkan keberagaman budaya dan alam yang mempesona. Salah satu aspek menarik dari seni visual di Indonesia adalah eksplorasi seniman terhadap abstraksi alam. Abstraksi alam merupakan perwujudan interpretasi seniman terhadap keindahan alam, yang sering kali menghasilkan karya seni yang penuh makna dan mendalam.

Pengaruh Alam Dalam Seni Visual

Pengaruh alam dalam seni visual Indonesia bukanlah hal baru. Sejak zaman purba, seniman Indonesia telah terinspirasi oleh kekayaan alam yang melimpah, mulai dari pegunungan yang megah hingga lautan yang luas. Namun, dalam beberapa dekade terakhir, seniman Indonesia mulai menjelajahi dimensi yang lebih dalam, yaitu abstraksi alam. https://www.premium303.pro/

Menyelami Keindahan Seni Visual Abstraksi Alam

Abstraksi Seniman

Abstraksi alam mengundang seniman untuk melampaui representasi literal dan mengeksplorasi esensi alam melalui bentuk, warna, dan tekstur. Karya seni abstrak seringkali menjadi meditasi visual yang memungkinkan penonton untuk merasakan keindahan alam secara lebih pribadi dan subjektif. Seniman Indonesia seperti Affandi, Sudjojono, dan Srihadi Soedarsono telah memberikan kontribusi yang signifikan dalam menggali konsep ini.

Affandi, misalnya, dikenal dengan gaya lukisnya yang ekspresif dan spontan. Lukisan-lukisannya mencerminkan interpretasi pribadinya terhadap kekuatan alam. Gaya ini sering kali memanfaatkan warna-warna cerah dan gerakan kuas yang dinamis, menciptakan karya yang memancarkan energi alam yang mempesona.

Sementara itu, Sudjojono, seorang pelopor seni modern Indonesia, menghadirkan abstraksi alam melalui pemandangan desa dan kehidupan sehari-hari. Lukisannya tidak hanya menciptakan gambaran fisik alam, tetapi juga menangkap semangat dan karakternya.

Srihadi Soedarsono, seniman kontemporer terkemuka, meresapi abstraksi alam dalam karyanya yang monumental. Lukisan-lukisannya menggambarkan perjalanan spiritual melalui bentuk-bentuk geometris dan warna yang menenangkan, menciptakan pengalaman visual yang mendalam.

Melalui Eksplorasi Abstraksi Alam

Melalui eksplorasi abstraksi alam, seni visual di Indonesia menjadi wadah untuk merenungkan hubungan manusia dengan alam. Karya-karya ini bukan sekadar representasi fisik, tetapi juga perwujudan kekaguman, kehormatan, dan kepedulian terhadap keindahan alam yang menyeluruh.

Dalam konteks globalisasi, seni visual Indonesia dengan tema abstraksi alam memperkaya wacana seni dunia. Karya-karya ini membawa pandangan unik tentang kekayaan alam Indonesia dan memberikan kontribusi signifikan terhadap evolusi seni visual di tingkat internasional.

Kesimpulan

Dengan terus menyelami abstraksi alam, seniman visual Indonesia memberikan warisan seni yang tak ternilai bagi generasi mendatang. Keindahan yang terwujud dalam karya-karya ini bukan hanya milik Indonesia, tetapi juga milik dunia, mengingatkan kita akan keharmonisan dan keberagaman alam yang perlu kita jaga dan lestarikan.

Read Full Article
Posted on By: Chester Richards

Prevalensi Lebah Dalam Seni Sepanjang Sejarah Manusia

Prevalensi Lebah Dalam Seni Sepanjang Sejarah Manusia – Dengan krisis keanekaragaman hayati yang membayangi dan kekhawatiran akan keamanan dan keberlanjutan pangan, lebah sering kali menjadi berita utama. Pentingnya lebah dalam masyarakat kita sebagai penyerbuk dan penghasil madu tampaknya telah meningkatkan popularitas mereka dalam banyak upaya artistik, seperti film, media sosial, permainan, dan seni kontemporer.

Prevalensi Lebah Dalam Seni Sepanjang Sejarah Manusia

Apakah ketertarikan baru dengan lebah ini merupakan fenomena baru-baru ini? Dalam studi baru kami, kami mengeksplorasi bagaimana lebah diwakili di seluruh budaya, periode waktu, dan media seni yang berbeda.

Representasi mereka dalam seni akan memberi tahu kita bagaimana orang pada waktu yang berbeda memandang lebah, yang juga kami temukan telah menyebabkan lebah menjadi sumber inspirasi bagi berbagai bentuk seni. hari88

Seni lebah sepanjang waktu dan budaya

Lebah telah digambarkan dalam ukiran, perhiasan, koin, lagu, peralatan dan patung selama ribuan tahun. Salah satu penggambaran lebah pertama yang diketahui adalah dalam bentuk seni cadas dari 8000 SM di Gua Laba-laba (Cuevas de la araña) di Spanyol. Ini menunjukkan seseorang menaiki tangga untuk mengumpulkan madu dari sarangnya.

Kami meneliti sejarah lebah dalam budaya dan seni dari Cina, Amerika Tengah, Amerika Selatan, dan Australia. Berabad-abad sebelum lebah madu Eropa diperkenalkan, masyarakat manusia di Amerika Tengah dan Selatan memiliki hubungan dekat dengan lebah asli tanpa sengat (Meliponini).

Masyarakat pertanian maju seperti bangsa Maya mengembangkan teknik apikultur (Pembibitan dan pemeliharaan lebah untuk tujuan komersial atau pertanian) dan memelihara lebah asli di rumah mereka. Beberapa dewa di jajaran mereka ditahbiskan sebagai pelindung sarang, sementara yang lain sering diwakili dalam postur menyerupai lebah yang mendarat di patung yang menghiasi kuil.

Sementara seni Tiongkok memiliki sejarah panjang dalam merepresentasikan tanaman, pada Dinasti Tang (618-907) lebah madu mulai direpresentasikan dalam puisi dan lukisan, ketika peternakan lebah formal dan penggunaan produk lebah dalam pengobatan tradisional meningkat.

Sebelum Dinasti Tang, lebah dianggap dengan kecurigaan karena kemampuan beberapa lebah untuk menyengat, mengungkapkan bagaimana representasi estetika positif dari lebah berkembang dengan pemahaman yang lebih baik tentang nilai lebah bagi lingkungan dan kesejahteraan kita.

Suara lebah dalam budaya seni dan musik

Suara dengungan dan sinyal yang dibuat lebah telah membuat manusia penasaran selama berabad-abad. Memang, gaya musik “drone” yang dipopulerkan oleh The Beatles Tomorrow Never Knows dalam nama berasal dari kata-kata Inggris Kuno yang mewakili lebah jantan.

Di telinga, instrumen kuno seperti Didgeridoo Bangsa Pertama Australia, Bagpipe Skotlandia, dan Tanpura India menyerupai suara drone lebah yang kaya dan memesona, dan komunitas etnis China Barat Daya membuat drum lebah khusus untuk merayakan hubungan budaya dengan lebah.

Musik dan lagu yang diilhami lebah bervariasi untuk mengakomodasi berbagai macam pengalaman dan emosi yang coba disampaikan manusia. Di Inggris selama abad ke-17, Charles Butler menilai Melissomelos sebagai malaikat dari pengamatannya yang tajam terhadap “suara” lebah dan struktur sosial mereka.

Dalam musik populer, lebah dipanggil untuk mengekspresikan emosi manusia, dan mengeksplorasi dinamika dan penguasaan musik.

Saat ini, kolaborasi sesama spesies seperti “Into” oleh grup musik Be secara langsung menggunakan suara lebah madu untuk menghadirkan cara baru dalam membuat musik, sambil juga mempromosikan nasib para penyedia yang berharga.

Lebah dan arsitektur

Lebah adalah beberapa arsitek terbaik alam. Struktur heksagonal di sarang lebah telah mengilhami desain dan arsitektur bangunan di seluruh dunia, serta desain futuristik untuk Mars. Bangunan yang diilhami lebah ini terbukti melintasi waktu dan budaya, dan mewakili tujuan desain yang berbeda. Dalam beberapa kasus, arsitektur yang diilhami lebah membentuk struktur yang paling stabil dan efisien.

Bangunan lain bertujuan untuk menyoroti pentingnya lebah bagi manusia. Misalnya gedung “sarang lebah” parlemen Selandia Baru memberi penghormatan kepada efisiensi dan kerja sama lebah, dan arsitektur eksperimental The Hive, yang merupakan kubus kisi aluminium 14meter yang dibangun untuk menarik perhatian pada penurunan lebah madu.

Prevalensi Lebah Dalam Seni Sepanjang Sejarah Manusia

Desain modern seperti ini mencerminkan nilai yang dirasakan dari hidup atau bekerja seperti lebah madu.

Read Full Article
Posted on By: Chester Richards

Siri Hustvedt Dalam Percakapan Dengan Julienne Van Loon

Siri Hustvedt Dalam Percakapan Dengan Julienne Van Loon – Saya pertama kali menemukan Siri Hustvedt melalui novelnya yang paling terkenal, What I Loved (2003), yang menarik perhatian saya melalui ulasan Janet Burroway di New York Times: “hal yang langka: pembalik halaman dengan rentang intelektual penuh”.

Siri Hustvedt Dalam Percakapan Dengan Julienne Van Loon

Diceritakan melalui Leo, seorang sejarawan seni tua yang merefleksikan keluarga dan hubungan selama beberapa dekade, novel ini dimulai sebagai pandangan kontemplatif pada seni, gender dan representasi, dan berakhir dalam genre thriller. https://3.79.236.213/

Karya Hustvedt mencakup novel, termasuk What I Loved and the Man Booker yang masuk daftar panjang The Blazing World (2014), memoar, esai, dan puisi. Karyanya mencakup feminisme, psikoanalisis, kritik seni, psikologi, filsafat, dan ilmu saraf.

Kami pertama kali bertemu tujuh tahun lalu, ketika dia setuju untuk diwawancarai untuk koleksi esai saya, The Thinking Woman (2019). Saya menghabiskan dua pagi di rumah Hustvedt di Brooklyn pada musim dingin tahun 2014, saat kami berbicara panjang lebar tentang sifat permainan.

Pada awal 2022, ketika Hustvedt dan saya memperbesar ruang hidup satu sama lain untuk membicarakan koleksi esai barunya, Mothers, Fathers and Others, kasus positif virus COVID-19 jenis Omicron meningkat tajam di New York dan Melbourne.

20 esai baru ditulis antara 2019 dan 2020, dengan latar belakang bagian akhir dari pemerintahan presiden Trump dan kedatangan pandemi COVID di New York.

Kami berbicara tentang seni, gender, kebencian terhadap wanita, rasisme dan otoritas budaya, dan ketertarikannya yang lama dengan karya seniman visual AS Louise Bourgeois.

Percakapan kami dimulai dan diakhiri dengan menyadari bahwa, sebagai pemikir, penulis, dan ibu, hidup kami tidak sesuai dengan kategori yang ketat juga tidak dibatasi oleh batas.

Budaya yang kacau, perbatasan kepolisian dan Amerika pasca-Trump

Esai “Open Borders: Tales from the Life of an Intellectual Vagabond” dimulai sebagai kuliah yang disampaikan Hustvedt di Guadalajara, Meksiko selama 2019, sementara pekerjaan sedang berlangsung di tembok terkenal Donald Trump.

Dia mengedepankan diskusi serius tentang kepolisian perbatasan dengan kenangan masa kecil yang menyenangkan mengunjungi Four Corners Monument di perbatasan empat negara bagian AS, menempatkan tangan di masing-masing dua negara bagian dan satu kaki di masing-masing negara bagian lainnya: “tempat tinggal yang bebas”.

Hustvedt menulis: “Kami menerima begitu saja bahwa batas-batas manusia kita sendiri berakhir dengan organ yang merupakan kulit kita, tetapi setiap orang pernah menjadi sekelompok sel yang membelah di dalam tubuh orang lain.”

Namun mengapa perbatasan dari segala jenis dijaga dengan penuh semangat? Dan mengapa perbatasan yang keropos begitu sering direpresentasikan sebagai situs horor dalam budaya kita?

Hustvedt beralih ke Kemurnian dan Bahaya Mary Douglas: analisis konsep polusi dan tabu, pertama kali diterbitkan pada tahun 1966, untuk membantu menjawab pertanyaan-pertanyaan itu. Saya bertanya mengapa buku khusus ini terus menariknya kembali.

SIRI HUSTVEDT: Saya pertama kali membaca Douglas’s Purity and Danger tidak lama setelah saya tiba di New York City, di sekolah pascasarjana. Ini adalah salah satu buku yang telah menopang saya selama bertahun-tahun. Ide utamanya adalah bahwa semua budaya membutuhkan ketertiban, semua budaya takut akan kekacauan, dan bahwa kebiasaan membersihkan kita ditentukan secara budaya.

Di beberapa budaya, kotoran hanyalah lelucon dan di budaya lain mereka dianggap sangat berbahaya. Jadi, Douglas tidak mengatakan bahwa kita semua memiliki masalah polusi yang sama, tetapi dia mengatakan bahwa masalah polusi ada di semua budaya. Dan kekaburan, bubur terutama bubur tubuh yang kita semua alami, cairan atau zat yang melewati ambang batas tubuh sangat mungkin dianggap berbahaya.

Bagi saya ini benar-benar merupakan pembukaan mendalam tentang bagaimana orang berpikir tentang segala jenis perbatasan. Douglas membuatnya sangat jelas bahwa Anda tidak dapat memisahkan batas-batas tubuh dari batas-batas masyarakat.

Kami menyebutkan, tentu saja, Trump dan perbatasan. Perbatasan menjadi lebih dari metafora daripada kenyataan… Maksudku, ada orang di perbatasan, ya. Tapi dalam drama sayap kanan yang sedang dimainkan, yang penting adalah ide untuk menyegel perbatasan dari penyusup gelap.

Siri Hustvedt Dalam Percakapan Dengan Julienne Van Loon

Dan ini berkaitan dengan masalah kemurnian, tetapi juga dengan kecemasan yang intens tentang hubungan seksual, tentang ketakutan akan Yang Lain yang melanggar batas, dan ancaman terhadap perbatasan yang diciptakan oleh hak-hak gender yang mengikis biner laki-laki/perempuan dengan mengeluarkan darah dan bocor melintasi perbatasan itu dan kemudian, seperti yang saya yakin akan kita bahas nanti, teror yang berasal dari manusia di dalam diri orang lain.

Read Full Article
Posted on By: Chester Richards

Kecantikan & Keberanian: Know My Name Kisah Perempuan

Kecantikan & Keberanian: Know My Name Kisah Perempuan – Know My Name lebih dari sekedar pameran seni, meskipun pameran yang dilampirkan pada peluncurannya besar, rumit dan indah. Digambarkan sebagai “inisiatif kesetaraan gender”, ini adalah bagian dari strategi oleh Direktur NGA Nick Mitzevich untuk bergerak menuju budaya inklusi baik dalam mengoleksi maupun memamerkan.

Pameran dimulai dengan tampilan potret massal, digantung seperti salon abad ke-19, hampir seperti penjaga kehormatan. Subjeknya adalah semua orang dengan tujuan.

Kecantikan Dan Keberanian: Know My Name Mempersembahkan Kisah Perempuan Seni Australia Yang Baru

Potret monokrom Brenda L. Croft yang intens tentang Rumah Bibi Matilda, sesepuh Ngambri-Ngunnawal, menyambut kedatangan pedesaan. Di dekatnya, potret Julie Dowling yang ikonik dan memilukan tentang keluarganya serta kesedihan dan kehilangan komunitas ditempatkan di samping Dian Dreams (1909) dari Violet Teague, sebuah lukisan dengan subjek yang tidak perlu mendapat persetujuan siapa pun. www.mustangcontracting.com

Beberapa karya terkenal, yang lain kurang begitu. Tak pelak, mata tertuju pada The Sock Knitter (1915) karya Grace Cossington Smith, karya yang pertama kali menempatkan seniman perempuan di pusat sejarah seni Australia.

Seabad sebelum Countess Report pertama merilis data yang diteliti dengan cermat tentang perlakuan yang tidak adil terhadap seniman wanita, The Sock Knitter dipamerkan di pameran tahunan Royal Art Society of NSW tahun 1915. Ia diabaikan, seperti halnya sang seniman, yang telah lama dianggap sebagai pelukis bunga “amatir wanita”.

The Sock Knitter tetap berada di studionya hingga akhir 1950-an ketika ditemukan oleh Bernard Smith. Cossington Smith sekarang mungkin dikenal sebagai seniman modernis paling penting di Australia, namun dia menghabiskan sebagian besar hidupnya dalam ketidakjelasan yang relatif.

Pameran ini adalah sinyal Mitzevich dari perubahan kebijakan koleksi NGA menjadi salah satu tindakan afirmatif. Sebelumnya, galeri hanya menampung 25% karya seniman perempuan.

Yang mengejutkannya, kata dia, adalah meskipun profil seniman perempuan meningkat dalam empat dekade terakhir, proporsi karya seniman perempuan yang masih hidup yang dikumpulkan oleh galeri pada waktu itu lebih sedikit dibandingkan tahun-tahun sebelumnya.

Direktur pertama galeri, James Mollison, mungkin tidak berprasangka buruk terhadap wanita, tetapi dia tidak berprasangka buruk terhadap kami. Karya-karya utama Rosalie Gascoigne, Joy Hester, Tracey Moffatt dan Emily Kame Kngwarreye semuanya dibeli di arlojinya. Banyak karya terbaru di pameran ini berasal dari tempat lain.

Dapat dikatakan bahwa tidak mungkin untuk mengkonfigurasi ulang seni Australia hanya dengan menggunakan satu jenis kelamin. Tentu saja ada jawaban yang mudah untuk ini. Selama bertahun-tahun, hampir semua seni yang dipamerkan di depan umum dilakukan oleh laki-laki.

Hubungan, bukan sejarah

Keindahan dan keberanian dari pameran ini adalah mengabaikan setiap upaya untuk menempatkan seniman ke dalam gerakan tertentu. Sebaliknya, kurator Deborah Hart dan Elspeth Pitt telah menciptakan apa yang mereka sebut dengan tepat sebagai “kisah baru seni Australia”, salah satu hubungan, bukan sejarah.

Ini adalah argumen solidaritas dan inklusi yang luar biasa dan melingkupi. Pekerjaan dikelompokkan berdasarkan perhatian tematik; melintasi batas budaya dan kronologis. Hirarki tradisional antara seni tinggi dan rendah dibubarkan.

Setelah pintu masuk bergaya salon, pengunjung beralih ke interpretasi yang berbeda dari mitos penciptaan yang hebat itu, Seven Sisters. Ruang tersebut didominasi oleh komisi terbaru galeri, instalasi besar oleh penenun Tjanpi.

Ini bergabung dengan lukisan tentang subjek yang sama, termasuk karya suster Ken dari Anangu Pitjantjatjara Yankunytjatjara Lands. Pesannya adalah kolaborasi dan kemurahan hati.

Di ruangan berikut, Connection with Country, seniman dari berbagai generasi dan budaya terkait dengan tanah dan lingkungan. Ini termasuk dinding batik Utopia, pengingat bahwa Jeanie Pwerle, Rosie Kngwarray dan Emily Kame Kngwarreye pertama kali bekerja murni di tekstil.

Lukisan hebat Emily Kame Kngwarreye Untitled (Alhalker), (1992), dari koleksi Galeri Seni New South Wales, menceritakan tentang negaranya.

Pagar Berbulu Rosalie Gascoigne membangkitkan keindahan lanskap di sekitar Canberra, sementara instalasi Janet Laurence, Requiem, berduka atas hilangnya kehidupan alam. Fiona Hall’s Tender, dengan sarang burungnya yang ditenun dari pecahan uang dolar Amerika, memberikan pengingat yang tegas tentang kefanaan dan kebodohan uang.

Terlepas dari ruang pameran yang luas, Anda dapat menikmati kesenangan intim dari dekat dan pribadi dengan panorama terukir epik Bea Maddock, Terra Spiritus dengan warna pucat yang lebih gelap (1993-98), perjalanan keliling Tasmania yang direkam dengan susah payah, menghubungkan aslinya nama yang dikenakan di tanah oleh penjajah Inggris. Lalu ada pengerjaan ulang indah foto kolonial Narelle Jubelin, semuanya dalam petit point.

Perubahan waktu

Di ruangan bertajuk Kolaborasi dan Peduli, tempo berubah. Sebuah dinding besar ditutupi dengan poster-poster aktivis dan lebih banyak lagi karya yang menghasut, termasuk Relik Phoenix (Frances Budden), kritik biadab yang bersulam tentang Katolik dan penghargaannya terhadap perempuan.

Rasa kemarahan dan protes yang meresapi dinding ini cocok dengan Resistance REA ini ulang dari Aborigin bendera gantung berlawanan.

Karya-karya polemik ini diimbangi dengan kebenaran Westbury Quilt, yang dibuat oleh Misses Hampson di Tasmania utara pada tahun-tahun awal abad lalu. Kotak kecil merah dan putih selimut, yang disulam dengan detail kehidupan sehari-hari, berpusat pada visi ideal Ratu Victoria.

Meskipun mereka dipamerkan di bagian yang berbeda, selimut ini mungkin lebih mirip dengan sandal yang dikerjakan Esme Timbery’s Shell (dari 2008) daripada pameran lainnya. Keduanya berbicara tentang skala domestik pekerjaan tradisional perempuan, dan cara seni dapat menyusup ke dalam ruang sehari-hari.

Ada rasa keakraban dalam ruangan, Warna, Cahaya dan Abstraksi, karena kontribusi seniman perempuan terhadap Modernisme telah terekam dengan baik. Berikut adalah favorit lama para pionir Dorrit Black, Cossington Smith, Grace Crowley, Klytie Pate menginformasikan generasi selanjutnya termasuk Margaret Worth, Janet Dawson, Virgina Cuppaidge dan Melinda Harper.

Ruangan bertajuk Performing Gender menampilkan rangkaian lengkap Persona dan Bayangan Julie Rrap, foto-foto yang dimanipulasi berdasarkan tubuhnya dan lukisan Edvard Munch.

Ini, bersama dengan Adegan hitam dan putih yang luar biasa dari Anne Ferran tentang Kematian Alam, dan Sesuatu yang Lebih dari Tracey Moffatt, mungkin adalah karya paling akrab bagi mereka yang tumbuh dewasa di tahun 1980-an.

Kecantikan Dan Keberanian: Know My Name Mempersembahkan Kisah Perempuan Seni Australia Yang Baru

Mengingat adalah ruangan yang paling tenang. Instalasi taman memorial Kathy Temin menghormati hilangnya keluarga dengan arsitektur bulu palsu. Fragmen perunggu Lindy Lee mengingatkan kita bahwa kita hanyalah bintik di alam semesta, sementara penelitian penerbangan, rangkaian foto Rosemary Laing, menunjukkan sosok pengantin yang mengambang di langit biru yang jernih.

Pamerannya begitu besar hanya setengahnya yang dipajang sekarang. Paruh kedua direncanakan pada Juli tahun depan (didahului dengan konferensi online). Yang itu mungkin lebih menantang karena akan mencakup karya-karya Pat Larter, yang selama bertahun-tahun lebih dikenal sebagai istri Richard Larter.

Read Full Article
Posted on By: Chester Richards

Lindy Lee’s Moon in a Dew Drop: Seni Didorong

Lindy Lee’s Moon in a Dew Drop: Seni Didorong – Pada saat bumi yang memanas dengan cepat tampaknya membahayakan masa depan umat manusia, di zaman ketika dunia tampaknya sebagian besar diatur oleh badut, penjahat, atau mereka yang merupakan kombinasi keduanya, seni Lindy Lee menenangkan jiwa, memulihkan harmoni.

Moon in a Dew Drop, yang dikurasi oleh Elizabeth Ann Macgregor, tidak menunjukkan pola yang mudah atau sentimen manis. Melainkan merupakan ekspresi ketenangan yang diperoleh sebagai hasil perjuangan keras dan pemeriksaan diri yang ketat.

Lindy Lee's Moon in a Dew Drop: Seni Didorong Oleh Rasa Ingin Tahu Yang Lahir Dari Perjuangan Keras

Lee bisa digambarkan sebagai orang Australia yang khas. Dia adalah anak dari orang tua pengungsi imigran. Ayahnya datang ke Australia sendirian pada tahun 1947, sebelum kemenangan Komunis, tetapi ibunya tidak diizinkan mengikuti selama beberapa tahun karena kebijakan imigrasi rasis kami sangat membatasi jumlah orang China yang diizinkan untuk menetap di sini. https://www.mustangcontracting.com/

Lee menjadi seniman pada saat diasumsikan secara luas bahwa semua seni dibuat oleh laki-laki, tetapi karena kebetulan waktu karir profesionalnya menempatkannya di barisan depan seniman Australia sukses yang bukan etnis Eropa atau laki-laki.

Dalam esai katalog yang diterjemahkan oleh Fiona He, penulis Tiongkok Shen Qilan mencatat bahwa seni Lee adalah eksplorasi berkelanjutan dari “‘Who am I?’ – pertanyaan filosofis pertama dan terakhir”.

Ketika dia masih kecil, Lee bertanya-tanya pada motif debu yang terperangkap di bawah sinar matahari. Sebagai orang dewasa, dia masih didorong oleh rasa ingin tahu tentang dunia di sekitarnya.

Pameran ini melingkari seluruh lintasan karir Lee, dimulai dengan fotokopi awal karya Renaissance dan Baroque. Seperti kebanyakan wanita di generasinya, Lee menganggap semua seniman hebat adalah pria sampai dia mengunjungi Italia dan melihat karya Artemisia Gentileschi. Inilah seorang seniman yang melukis wanita sebagai pahlawan dan subjek favoritnya adalah Biblical Judith, pemenggal kepala Holofernes.

Setelah Lee kembali ke Australia, dia belajar di Sydney College of the Arts, pada awalnya menggunakan fotokopi sebagai memoar ajudan. Proses fotokopi memikatnya saat dia mulai melihat salinan ini sebagai objek tersendiri.

Tindak penerjemahan melalui seni menjadi metafora atas pengalamannya sebagai orang Australia berlatar belakang Asia, melihat dunia dari kejauhan, mengubah “realitas” menjadi sesuatu yang lain. Dari fotokopi dia beralih ke lilin lebah berpigmen hitam, mengorek kembali masa lalu Eropa untuk membuat hadiah asli.

Dislokasi Budaya

Pada tahun 1985, lukisannya, Sakramen Putih , sebuah meditasi pada lukisan El Greco tentang St Andrew, dibeli untuk Galeri Nasional Australia. Lee tertarik dengan intensitas spiritualitas El Greco dan cara ini tercermin dalam seninya. Penyelidikannya terhadap spiritualitas berkembang seiring dengan rasa dislokasi budaya.

Seperti banyak orang Australia yang lahir dari orang tua imigran, Lee pada awalnya tidak merasakan hubungan dengan negara atau budaya mereka. Belakangan dia memahami bahwa keasyikannya dengan fotokopi juga merupakan cerminan dari melihat dirinya sebagai replika, bukan hal yang nyata, bukan bagian dari Australia. Dapat dikatakan bahwa semua seni selanjutnya adalah eksplorasi sifat realitas, dan pengertian waktu.

Karya instalasinya pada tahun 2003, Birth and Death, diciptakan kembali untuk pameran ini, terdiri dari 100 buku akordeon Cina berwarna merah, dicetak dengan gambar digital dari anggota keluarganya, dulu dan sekarang, hidup dan mati. Kita semua adalah bagian dari mereka yang pergi sebelum dan sesudah.

Pada tahun 1995, Lee melakukan kunjungan pertamanya ke China dan menyadari bahwa dia bukan sepenuhnya orang China atau sepenuhnya orang Australia. Sebaliknya dia terus memanfaatkan kedua budaya untuk pemahamannya tentang diri. Hasilnya adalah instalasinya, Tidak Naik, Tidak Turun, Akulah Sepuluh Ribu Hal.

Dalam sebuah wawancara katalog dengan Macgregor dia menggambarkan pekerjaan ini sebagai hasil dari “dibebaskan dari penjara karena mencoba menemukan identitas saya sebagai orang Tionghoa atau Anglo atau ini atau itu”.

Judul tersebut merujuk pada filsuf Zen, Dogen yang berkata, “Jika Anda ingin mengetahui diri Anda, lupakan diri Anda dan teraktualisasikan oleh 10.000 hal.”

Dalam kunjungan berikutnya ke Tiongkok, Lee menjadi tertarik dengan tradisi Taois tentang kaligrafi tinta terlempar, di mana sang seniman membiarkan takdir untuk memutuskan di mana pigmen itu jatuh. Dalam beberapa tahun terakhir, dia mulai bekerja dengan UAP Foundry di Brisbane, membuat pecahan dari tetesan perunggu cair.

Fragmen seperti permata itu terlihat seolah-olah tidak mungkin terjadi secara tidak sengaja, tetapi salah satu yang menarik dari pameran ini adalah instalasi video yang menunjukkan Lee hampir menari saat dia melemparkan logam panas itu menjadi seni.

Moonlight Deities, sebuah instalasi di mana cahaya bersinar melalui beberapa lubang melingkar yang membuat pola bayangan yang memikat, dibuat khusus untuk pameran ini, seperti halnya patung Secret World of a Starlight Ember.

Lindy Lee's Moon in a Dew Drop: Seni Didorong Oleh Rasa Ingin Tahu Yang Lahir Dari Perjuangan Keras

Dalam kedua karya tersebut, mudah bagi penonton untuk membenamkan diri dalam pola cahaya, bergerak dengan bayangan, menganggap diri mereka sebagai bagian dari alam semesta yang tidak pernah berakhir.

Dunia di mana kita menemukan diri kita sendiri hanyalah setitik dalam dahsyatnya alam semesta, dan pada saat yang sama merupakan wahyu keajaiban bahwa kita yang begitu kecil bisa menjadi bagian dari alam semesta, begitu besar. Lee menceritakan Macgregor kisah Buddha tentang jaring Indra, jaring tak terbatas, sebagai metafora untuk apa yang dia coba katakan melalui karya seninya.

Read Full Article
Posted on By: Chester Richards

Jane Austen, Monet Dan Phantom of the Opera

Jane Austen, Monet Dan Phantom of the Opera – Budaya telah lama dikelompokkan sebagai “tinggi” atau “rendah”, atau mungkin “tinggi” dan “populer” untuk melunakkan pukulan. Tapi bagaimana dengan di antaranya. Kata “middlebrow” muncul ke dalam bahasa Inggris pada tahun 1920-an sebagai penghinaan. Itu menggambarkan karya yang salah mengira selera bagus untuk seni yang serius dan konsumen yang tidak bisa membedakannya.

Kami bertanya kepada hampir 1500 orang Australia tentang preferensi dan partisipasi budaya mereka, dan memetakan tanggapan mereka pada suatu spektrum. Ada perbedaan yang jelas antara mereka yang tidak secara teratur terlibat dengan seni dan budaya di satu sisi dan pecinta bentuk seni tinggi atau avant-garde di sisi lain.

Jane Austen, Monet Dan Phantom of the Opera - Budaya Middlebrow Saat Ini

Area paling terkonsentrasi dari data yang dipetakan berada di ruang tengah. Tambalan ini berisi suka untuk Phantom of the Opera, Rhapsody in Blue, musik klasik ringan dan jazz, dokumenter TV dan acara polisi, Monet dan Ken Done, Tim Winton, Jane Austen, dan banyak lagi dapat memberi tahu kita apa yang membentuk budaya middlebrow saat ini. americandreamdrivein.com

Udara dan Rahmat

Dari dekade awal abad ke-20, kekuatan kembar baru dari budaya tinggi modernis dan budaya komersial massal menghasilkan pertengkaran berkelanjutan atas nilai budaya dan otoritas di antara para kritikus dan konsumen dalam “pertempuran alis”.

Bahasa alis menunjukkan tidak hanya perbedaan tetapi juga selera yang sangat berlawanan. Lebih buruk lagi, tiga tingkat alis bisa dianggap mewakili selera kelas atas, rendah dan menengah. Setiap kenaikan dari bawah mengancam mereka yang di atas.

Yang paling mengancam elit budaya bukanlah yang vulgar, tetapi pretensi para middlebrow terhadap budaya dan selera yang baik. Seperti yang dikatakan Virginia Woolf, middlebrow adalah: “Dengan kecerdasan yang tidak terkendali dalam mengejar tidak ada satu objek pun, baik seni itu sendiri maupun kehidupan itu sendiri, tetapi keduanya bercampur tak dapat dibedakan, dan agak menjijikkan, dengan uang, ketenaran, kekuasaan, atau prestise.”

Seni Middlebrow meniru seni yang serius, tetapi hanya menawarkan kesenangan yang mudah. Konsumen Middlebrow menginginkan budaya, tetapi prestise sosialnya. Institusi Middlebrow seperti klub buku atau radio membuat budaya tinggi dapat diakses oleh semua, yang konon “membodohi” dalam prosesnya.

Proyek Australian Cultural Fields melakukan survei nasional tentang preferensi budaya Australia pada tahun 2015, dan dalam buku baru, Fields, Capitals, Habitus: Budaya Australia, Divisi Sosial dan Ketimpangan, perhatian khusus diberikan pada “ruang tengah” budaya Australia. selera dan keterlibatan.

Peta tengah

Suka dan tidak suka individu untuk jenis buku, seni, musik, TV, warisan dan olahraga tertentu, dan partisipasi dalam kegiatan budaya, dipetakan sehingga preferensi bersama akan dikelompokkan bersama. Begitu pula sikap terhadap artis, penulis, komposer, dan tokoh TV dan olah raga tertentu. Hasil ini dipetakan terhadap variabel sosial termasuk usia, jenis kelamin, pendidikan dan kelas pekerjaan.

Latihan ini mengungkapkan dua zona rasa dan keterlibatan yang sangat berbeda, dan ruang tengah yang padat di antaranya.

Di satu sisi adalah zona partisipasi rendah (42% dari mereka yang disurvei) di mana tanggapan negatif terdaftar untuk hampir semua jenis buku, untuk Impresionisme, Renaisans dan seni abstrak, musik klasik ringan dan klasik, seni TV dan program dokumenter, dan banyak lagi.

Suka dan keterlibatan dibatasi pada TV komersial, acara realitas dan olahraga, musik country, lanskap dan potret, buku olahraga, penulis Stephen King, warisan keluarga dan tanah air, dan liga rugby.

Di sisi lain (21%), selera positif dominan, terutama untuk barang-barang yang secara tradisional bergengsi atau “terpelajar” seperti sastra klasik, novel modern, Impresionisme, buku-buku Pribumi, warisan Aborigin dan migran, ABC dan SBS, penulis David Malouf dan artis Margaret Preston. Yang tidak suka mendaftar untuk genre populer atau deklassé tertentu termasuk musik dansa dan lanskap.

Tetapi konsentrasi suka dan tidak suka yang paling padat berada di tengah budaya. Ini membantu kami memvisualisasikan middlebrow. Tanggapan positif berkumpul di sekitar musik klasik, seni Aborigin dan Renaisans, sejarah dan biografi Australia, novel kriminal, berita TV, dan program gaya hidup.

Dalam hal seniman dan karya bernama, ruang tengah bahkan lebih ramai. Di bidang sastra, Jane Austen duduk dengan bangga di tengah, bersama penulis seperti Bryce Courtenay, Jodi Picoult dan Woolf, dan pelukis Rembrandt, Monet, dan Jackson Pollock. Secara musikal, Nessun Dorma dan Phantom of the Opera sedang bermain.

Tidak suka juga termasuk dalam ruang tengah: untuk Ben Quilty, Francis Bacon, Kate Grenville, Ian Rankin, Ai Weiwei dan Caravaggio (bersama Stephen King, Big Brother dan Kylie Minogue!). Kehadiran tanggapan negatif, bagaimanapun, menunjukkan modal budaya bahwa penting untuk memiliki pandangan tentang angka-angka tersebut, bahkan jika negatif.

Jane Austen, Monet Dan Phantom of the Opera - Budaya Middlebrow Saat Ini

Siapa yang suka di tengah?

Kita dapat memetakan distribusi selera terhadap variabel sosial utama. Ruang tengah berhubungan erat dengan pekerjaan profesional-manajerial yang lebih rendah (seperti guru, kurator, akademisi); pendidikan tersier (tapi bukan pascasarjana); kelompok usia 45-64 tahun; dan penduduk perkotaan atau pinggiran kota. Wanita menempati ruang tengah; pria lebih dekat ke zona yang kurang terlibat. Tidak ada keselarasan sederhana dengan kelas; Budaya middlebrow tidak sejalan dengan “kelas menengah”.

Istilah “middlebrow” tetap sulit karena konotasinya yang merendahkan dan kuat. Apa yang dapat dikatakan pada kita adalah bahwa membayangkan budaya yang terbagi menjadi tinggi dan rendah tidak akan membawa kita terlalu jauh. Ada banyak hal yang bisa dinikmati di ruang tengah.

Read Full Article
Posted on By: Chester Richards

Bagaimana Tulisan Daniel Thomas Menyampaikan Kegembiraan

Bagaimana Tulisan Daniel Thomas Menyampaikan Kegembiraan – Pada tahun 1958, ketika Daniel Thomas muda pertama kali diangkat di Galeri Seni New South Wales, kata “kurator” tidak ada dalam kamus Dewan Layanan Umum. Dia merasa gelar resminya sebagai “asisten profesional” tidak akurat sehingga dia menandatangani suratnya “asisten kuratorial”.

Belakangan, birokrasi mengadopsi bahasanya dan istilah itu masih digunakan untuk menggambarkan posisi kuratorial entry level bagi lulusan baru.

Bagaimana Tulisan Daniel Thomas Menyampaikan Kegembiraan Seni Kepada Orang Australia

Tahun-tahun yang saya habiskan untuk bekerja untuk Thomas sebagai asisten kuratorial di tahun 1970-an mengubah pemahaman saya tentang apa yang bisa dilakukan seni. Kelakuannya yang murah hati berarti bahwa bahkan sekarang saya terkadang mendengar suaranya di telinga saya, mempertanyakan arti sebenarnya dari sebuah kata yang ingin saya gunakan. https://americandreamdrivein.com/

Thomas telah menjadi penggerak perubahan dalam seni Australia sehingga dia telah mempengaruhi hampir setiap institusi, kurator dan seniman.

Dia, pada gilirannya, adalah kurator pertama di AGNSW, Kepala seni Australia perdana di Galeri Nasional Australia dan Direktur Galeri Seni Australia Selatan, sebelum pensiun ke Tasmania, dekat tempat kelahirannya 89 tahun lalu. Di sini dia terus menulis dan membimbing mereka yang ingin mengetahui detail kecil dan visi besar seni di Australia.

Namun, pada 1960-an dan 70-an, Thomas mungkin lebih dikenal sebagai kritikus seni yang cerdas dan informatif dari Sunday Telegraph pertama dan kemudian Sydney Morning Herald. Penunjukan pertamanya, yang saat ini dianggap sebagai konflik kepentingan, dipandang pada saat itu sebagai cara untuk mendidik masyarakat tentang pentingnya seni.

Dia juga menulis esai perseptif yang diperluas untuk Seni dan Australia dan kemudian Seni Bulanan, serta esai dalam katalog ilmiah. Antologi Steven Miller dan Hannah Fink, Recent Past: menulis seni Australia, telah mengatur tugas Hercules untuk memadatkan esensi tulisan Thomas menjadi satu volume yang menyenangkan, sumber ilmiah yang juga menyenangkan pembaca umum.

Thomas memiliki sedikit waktu untuk konstruksi teoretis. Sebaliknya dia berfokus pada seni, seniman, dan keadaan. “Kerja lapangan lebih menyenangkan daripada penelitian perpustakaan,” tulisnya saat membahas lanskap tempat John Glover melukis dan lemari cermin, yang merupakan subjek dari banyak lukisan hebat Grace Cossington Smith yang terlambat.

Penjelasan Singkat Untuk Mendidik

Beberapa sarjana memeluk pengetahuan mereka untuk diri mereka sendiri, puas untuk berkomunikasi hanya dengan rekan-rekan mereka. Thomas melihat misinya untuk menyebarkan berita, untuk memberi tahu sebanyak mungkin orang tentang kegembiraan seni yang mendalam.

Dia segera menjadi master frase cekatan. John Brack dideskripsikan sebagai “pelukis yang pandai, pandai sampai menggoda”. Lukisan Fred Williams “diinvestasikan dengan sihir”. Lukisan awal karya Janet Dawson digambarkan dengan penuh semangat sebagai “peristiwa yang menggembirakan”. Dalam kritik selanjutnya dia mencatat dengan senang hati “hal-hal yang dibuat dengan baik” Rosalie Gascoigne dan menggambarkan Dorrit Black sebagai salah satu “temperamen pendiam tapi penuh gairah” dalam seninya.

Dalam buku baru ini, Thomas telah memberikan komentar tertulis tentang tulisan dan ilustrasinya yang lalu. Catatan yang menarik, informatif dan seringkali lucu ini ditandai sebagai “DT20”.

Dalam sebuah catatan tentang Miss Australia karya Martin Sharp, misalnya, dia menulis bahwa sang seniman “menekankan bahwa lukisan itu seluruhnya dilukis olehnya”. Kemudian, hampir sebagai tambahan, Thomas mengatakan kepada pembaca Sharp tidak secara fisik melukis beberapa karya yang dikaitkan dengannya, melainkan mendelegasikan kerja keras kepada asisten studionya, Tim Lewis.

Obituari yang ditulis untuk seniman ditulis dengan tujuan untuk menilai sejarah yang lebih panjang. Dalam obituari yang dianggapnya untuk Arthur Boyd, Thomas menyimpulkan “pelukis yang tidak rata harus dinilai berdasarkan karya terbaiknya”, pengingat halus bahwa Boyd membuat banyak potboiler.

Artis pop Robert Rooney, dia menulis, “gagal dalam kursus diploma seni komersial Swinburne Technical College dalam ilustrasi dan desain tetapi tidak menyia-nyiakan pengalaman.”

‘Museum yang lebih menarik’

Karena artikel-artikel tersebut disusun dalam urutan kronologis, dimungkinkan untuk melacak bagaimana Thomas telah lama menggunakan latar belakang istimewanya untuk kebaikan.

“Pandangan sekilas anak sekolah pertama tentang pesona seni liar” muncul ketika dia menjadi siswa di Geelong Grammar, yang terinspirasi oleh seniman pengungsi Bauhaus Ludwig Hirschfeld-Mack.

Gelar Oxford dan pengetahuan mendalam tentang seni Eropa bisa mengarah pada karier di Inggris, tetapi dia memilih untuk bekerja di Australia karena, “Saya ingin museum seni kita lebih menarik.”

Esai kedua dari belakang, Spirit of Place, yang ditulis pada tahun 2018, dapat digambarkan sebagai meditasi di atas batu, pohon, kehidupan, dan seni. Thomas menganggap bagaimana tanah yang dia kenal sejak masa kanak-kanak telah berubah “di bawah pengelolaan yang tidak baik oleh manusia yang tidak bijaksana”. Plastik dicuci di pantai Selat Bass ketika dulu merupakan rumput laut.

Bagaimana Tulisan Daniel Thomas Menyampaikan Kegembiraan Seni Kepada Orang Australia

Dia menamai rumahnya, Loeyunnila, kata yang digunakan orang Aborigin dari Port Sorrell untuk “angin kencang”. Tapi dia juga ingat, bagaimana orang Aborigin dari tempat ini dibawa dengan perahu di “pengasingan yang setara dengan hukuman mati”. Ada ketegangan antara penghargaannya terhadap budaya Aborigin yang langgeng dan pengetahuan bahwa nenek moyang langsungnya yang merampas tanah mereka.

Dia menyelesaikan ini dengan menyarankan bahwa “orang Aborigin menaklukkan kembali pikiran penjajah mereka, sama seperti orang Yunani menaklukkan kembali Romawi kuno”. Seperti kebanyakan tulisan Thomas, ini adalah ide yang patut diperdebatkan.

Read Full Article
Posted on By: Chester Richards

Tren Desain Grafis Yang Terdapat di Tahun 2020

Tren Desain Grafis Yang Terdapat di Tahun 2020 – Desain grafis merupakan salah satu hal yang penting dalam dunia bisnis dan menjadi faktor yang mendukung bagi sebuah produk. Dengan adanya desain grafis, bisnis dapat dikembangkan dan dipasarkan kepada target pasarnya. Selain itu, desain juga dapat menjadi sebuah tolak ukur untuk perkembangan zaman.

Seorang desainer tentunya harus bisa melihat desain yang sedang tren saat ini agar produk atau bisnisnya dapat sesuai dengan minat orang-orang di dunia. Desain grafis juga merupakan salah satu faktor penting sebagai penentu selera masyarakat. Untuk itu dalam artikel ini kami akan memberikan beberapa tren desain pada tahun 2020. Yuk, simak dibawah ini.

Tren Desain Grafis di Tahun 2020

Monokrom dan Warna yang Kontras

Hal pertama yang harus kalian ketahui untuk tren desain di tahun 2020 yaitu penggunaan warna-warna monokrom dengan warna yang kontras, serta kecenderungan warna-warna yang cerah dan tegas.

Seperti yang kita tahu, akhir-akhir ini sering kita melihat kecenderungan desainer grafis dan web yang menggunakan efek warna monokrom di gambar yang mereka buat. Filter warna duotone ini digunakan di foto atau elemen parsial dalam komposisi grafik. Penggunaan filter ini tentunya melibatkan warna-warna yang cenderung cerah dan kontras satu sama lainnya. joker123

Selain itu dalam segi penggunaan warna untuk ilustrasi, cenderung menggunakan warna-warna cerah yang tegas, seperti warna-warna neon. Dalam desain grafis, warna-warna cerah ini biasanya dianggap sebagai warna futuristik yang sering dikaitkan dengan Cyberpunk, genre fiksi ilmiah yang menggambarkan kota-kota gelap, futuristik, dengan banyak neon di sana sini. www.americannamedaycalendar.com

Tipografi Unik dan Custom

Seperti pada tahun-tahun sebelumnya, penggunaan tipografi masih jadi sebuah hal yang penting dalam desain grafis. Demi menciptakan komposisi yang lebih modern dan inovatif, desainer akan lebih banyak menggunakan tipografi khusus yang dipersonalisasi. Tren ini diperkirakan akan terus berkembang di tahun 2020.

Dalam beberapa tahun belakangan tipografi menjadi lebih beragam, lebih berani, dan lebih berekspresi dengan cara yang belum pernah kita lihat sebelumnya. Hal tersebut menunjukkan bahwa komposisi yang ada pada teks tidak membatasi desainer untuk selalu bereskperimen dalam mencari bentuk tipografi yang unik berdasarkan pada personalisasi produk atau brand.

Salah satu hal yang patut menjadi perhatian adalah harga lisensi font yang semakin mahal, terutama untuk merek global. Sehingga untuk personalisasi font khusus secara profesional juga membutuhkan dana yang tidak sedikit. Membuat font khusus untuk merek atau brand bisa menjadi hal yang baik untuk lebih menonjolkan diri di tahun 2020 ini. Tipografi khusus dan unik akan menjadi tren besar pada tahun 2020.

Desain Geometrik

Sebagai salah satu elemen dasar dari desain grafis, garis juga dapat mengekspresikan bentuk dan sifat dari sebuah objek. Garis-garis geometris menggambarkan benda yang dibuat oleh manusia dan teknologi, sedangkan garis lengkung menggambarkan bentuk yang alami.

Pada tahun 2020 ini perpaduan dari kedua garis tersebut sehingga dapat menciptakan sebuah bentuk yang indah yang terlihat tidak nyata atau tidak mungkin. Para desainer menggabungkan kedua bentuk garis-garis geometri tersebut untuk menciptakan desain yang futuristik dan misterius. Desain seperti ini akan populer pada tahun 2020.

Desain garis yang tipis, ramping, abstrak dan sulit dilakukan tanpa bantuan dari komputer, akan semakin populer di bidang teknologi dan branding karena dapat mengekspresikan teknologi masa depan. Desain geometris mungkin akan terlihat sederhana tetapi sebenarnya membutuhkan banyak kesabaran dan waktu untuk menciptakan komposisi yang dapat membawa makna yang dapat dipahami oleh audience.

Isometri Ilustrasi

Siapa yang tidak mengenal ilustrasi atau desain isometrik? Ilustrasi atau desain isometrik sebenarnya sudah menjadi tren selama bertahun-tahun dan ilustrasi ini sudah mempunyai banyak perubahan. Ilustrasi isometrik sudah banyak digunakan untuk desain infografis, desain presentasi, dan desain web. Ilustrasi ini banyak disukai oleh para desainer karena kemampuan mereka untuk menggambarkan objek 3 dimensi ke dalam permukaan 2 dimensi.

Seperti yang sudah dijelaskan sebelumnya, ilustrasi ini sudah mengalami berbagai macam perubahan, namun pada tahun 2020 ini perubahan yang paling mencolok adalah adanya animasi pada ilustrasi tersebut. Karena pada tahun 2020, animasi adalah segalanya. Ilustrasi atau desain isometrik berkembang menjadi sebuah karya visual yang sangat menarik dalam bentuk animasi. Pernyataan objek 3 dimensi ke dalam permukaan 2 dimensi terlihat menjadi lebih nyata dari sebelumnya.

Simplified Illustrations

Ilustrasi dalam sebuah desain grafis juga menjadi salah satu poin penting untuk menyampaikan informasi, maksud dan tujuan dari karya atau produk yang dibuat. Ilustrasi digunakan sebagai aspek visual yang digunakan desainer untuk menyampaikan maksud dan tujuan dari karya atau produknya, sehingga biasanya ilustrasi yang dibuat disesuaikan dengan konsep dan ide untuk mengkomunikasikan pesan dengan lebih baik. Ketika ilustrasi menjadi hal yang penting maka di tahun 2020, ilustrasi yang lebih simpel atau sederhana menjadi pilihan utama.

Ilustrasi yang simpel atau sederhana memungkinkan desainer untuk lebih fokus terhadap pesan yang disampaikan bukan pada seni atau gambar yang ada pada karya tersebut. Pada tahun 2020, ilustrasi yang digunakan akan lebih menjurus pada ilustrasi sederhana, sama, dan bahkan terlihat kekanak-kanakan.

Collages of Drawings and Photos

Tren yang cukup menarik dan kreatif yang mulai banyak digunakan pada tahun 2020 adalah kombinasi foto dan gambar atau doodle. Doodling telah mulai menjadi sebuah tren yang menyenangkan di dunia ilustrasi bahkan jauh sebelum menjadi sebuah tren seperti sekarang ini. Bisa kita ingat ketika dulu masih berada di bangku sekolah kita biasanya suka mencorat-coret buku catatan atau buku pelajaran dengan gambar-gambar doodle, mungkin ini terinspirasi dari hal tersebut.

Mencoret-coret, dengan tangan, kadang terlihat abstrak, tidak rapih namun menyimpan sebuah personalisasi dari desainer masing-masing. Hal ini membuat doodle yang satu dengan lainnya berbeda sesuai dengan coretan para desainernya. Tahun 2020, desainer coba menggabungkan foto dan ilustrasi sederhana menggantikan bagian foto atau seakan berinteraksi dengan foto.

Mirip dengan kebiasaan mencoret-coret pada buku atau pada papan mading tetapi dengan porsi yang jauh lebih kreatif. Sudah dipastikan tren ini akan ditemui pada tahun 2020, karena merupakan predisposisi kreativitas dan merupakan sebuah peluang besar untuk menciptakan sebuah karya yang unik.

Tren Desain Grafis di Tahun 2020

Penggunaan 3D yang Realistis

Salah satu hal yang semakin menjadi tren adalah penggunaan 3D. Tren ini mencapai puncaknya di tahun 2019 dengan berbagai karya dan penggunaan desain grafis berorientasi 3D, yang tentunya tidak membuat tren ini dapat hilang dengan cepat. Berkat teknologi modern, pada tahun 2020 kita akan terus melihat komposisi 3D yang lebih mengagumkan. Selain itu agar nampak lebih kreatif, kadang desainer menggabungkannya dengan beberapa realitas lain.

Selain komposisi karakter dalam bentuk 3D, dengan menggunakan teknologi modern memungkinkan kita untuk memanfaatkan penggunaan bentuk 3D untuk memberikan pengalaman nyata, seperti pada ikon atau tombol aplikasi. Hal tersebut bisa menciptakan pengalaman sentuhan untuk pengguna dan mengurangi kerataan tanpa mendominasi estetika visual layar.

Image and Text Masking

Gambar dan text adalah dua elemen yang penting dalam sebuah desain grafis, lalu bagaimana bila keduanya dipadukan? Sebuah tren yang cukup sering dipakai oleh para desainer grafis saat ini adalah text masking pada gambar. Dengan menyembunyikan sebagian gambar dan teks akan terlihat cukup modern dan tampak lebih misterius serta futuristik. Seperti kebanyakan tren pada tahun 2020, yakni desain yang cukup minimalis dan simpel. 

Dengan menggunakan text masking tersebut dapat membantu desainer membuat desain yang terlihat cukup minimalis tanpa adanya banyak gambar pada satu frame tersebut. Tidak hanya sampai disitu, pada tahun 2020 desainer akan terus membuat komposisi gambar dan text masking hingga mendapatkan efek yang diinginkan.

Read Full Article
Posted on By: Chester Richards

Inilah Tokoh Seni Patung Yang Ada di Indonesia

Inilah Tokoh Seni Patung Yang Ada di Indonesia – Seni patung adalah hasil ekspresi jiwa manusia dengan menciptakan bentuk visual melalui media tiga dimensi yang bertujuan untuk keindahan. Seni patung dapat dengan mudah dijumpai bahkan di jalan-jalan. Biasanya dibangun sebagai monumen atau memperingati jasa atas peristiwa yang pernah terjadi.

Patung tentu tidak terbentuk sendiri, ada penciptanya yang mendesain bentuk dari setiap patung yang bermakna ini. Berikut ini adalah beberapa tokoh yang telah menciptakan beragam karya patung di Indonesia.

Tokoh Seni Patung di Indonesia

I Nyoman Nuarta

Seniman yang berasl dari Bali ini lahir di Tabanan pada 14 November 1951. Pria ini dikenal karena karyanya yang mendunia yakni GWK (Garuda Wisnu Kencana), Monumen Jalesveva Jayamahe serta Monumen Proklamasi Indonesia. Nyoman dibesarkan di sebuah keluarga dengan latar belakang pengusaha yang terbilang cukup sukses. Kemudian untuk mengasah bakatnya di bidang seni, Nyoman mengambil studi jurusan Seni Rupa di Institut Teknologi Bandung (ITB) pada tahun 1972. Dan sejak itulah karirnya di dunia seni dimulai.

Pada mulanya, pria kelahiran Tabanan ini lebih tertarik pada seni lukis, tapi, semenjak ia mengambil kuliah di jurusan seni patung, pada akhirnya Nyoman menyadari bahwa minat serta bakatnya berada di dunia seni patung. Awal titik balik hidupnya adalah ketika ia mengikuti lomba desain patung proklamator Indonesia.

Ali Umar

Ali Umar adalah seorang seniman patung yang lahir di Padang Pariaman, Sumatera Barat pada tahun 1967. Ia meraih gelar S1 bidang seni (S.Sn.) dari Institusi Seni Indonesia Yogyakarta. Umar mulai menekuni dunia seni patung saat ia masuk Fakultas Seni Rupa dan Desain dan mengambil jurusan seni patung. Semua karya-karyanya menggambarkan sikap pribadi seorang Ali Umar yang sangat peka terhadap realitas seksual. Selain itu, salah satu idealismenya dalam menciptakan karyanya adalah agama. daftar joker388

Edhi Sunarso

Pematung Indonesia ini lahir di Salatiga, pada tanggal 2 Juli 1932. Selain menjadi seniman seni patung, Edhi juga mengemban amanah sebagai staff yang mengajar di Akademi Kesenian Surakarta. Selain itu, Edi juga pernah mengajar dan menjadi ketua jurusan seni patung di Sekokah Tinggri Seni Rupa Indonesia Yogyakarta. https://www.americannamedaycalendar.com/

Beberapa tahun berikutnya beliau menjadi tenaga pengajar di IKIP (Institut Kejuruan Ilmu Pendidikan) Negeri Yogyakarta lalu juga menjadi tenaga pengajar di ISI (Institut Seni Indonesia). Banyak sekali karya yang sudah diciptakan oleh tangan pematung satu ini diantaranya yakni Patung Selamat Datang di Bundaran Hotel Indonesia dan Diorama Sejarah Monumen Nasional di Jakarta.

Abdi Setiawan

Seniman Abdi Setiawan berasal dari Padang. Ia lahir di Sicincin, Pariaman, Sumatera Barat pada 29 Desember 1971. Yang unik dari semua hasil karya seniman yang saat ini menetap di Yogyakarta ini adalah karya dalam bentuk instalasi dan patung berukuran life size atau seluruh tubuh. Instalasi dan patung yang diciptakannya mengisahkan kehidupan yang biasa dijalani oleh orang-orang Indonesia dari berbagai status sosial.

Jhoni Waldi

Pria satu ini lahir di Bukittinggi, Sumatera Barat pada tanggal 29 Juni 1972. Pria yang menimba ilmu di Institut Seni Indonesia Yogyakarta ini berhasil menjadi pematung profesional yang karyanya dikenal banyak orang.

Kasman K.S

Tokoh seni patung Kasman KS adalah salah satu legenda dalam dunia seni patung Indonesia, beliau lahir 66 tahun yang lalu di Batu Kambing, Agam, Sumatera Barat pada 19 Desember 1954 dan meninggal di Yogyakarta pada tanggal 10 November 2009 (54 tahun). Kasman KS adalah salah satu dari pendiri Asosiasi Pematung Indonesia (API).

Selain bergabung dan mendirikan API, Kasman juga pernah menjadi ketua komunitas seni sekato yaitu sebuah kelompok perupa Indonesia dimana seluruh anggotanya merupakan mahasiswa dan alumni dari Institut Seni Yogyakarta yang berasal dari Sumatera Barat atau dari etnis Minangkabau.

Arlan Kamil

Lulusan Fakultas Seni Rupa jurusan seni patung Institut Seni Indonesia Yogyakarta ini akhirnya sukses menjadi seorang pematung setelah kerja kerasnya di sebuah pusat kerajinan patung-patung publik di Padang. Keyakinannya pada dunia seni patung membawa Arlan ke Yogyakarta untuk menjalani studi dan menyelesaikannya pada tahun 1992.

Syahrizal Koto

Pemilik nama lengkap Syahrizal Zain Koto ini adalah seorang pematung yang berasal dari Pariaman, Sumatera Barat yang lahir pada 6 September 1960. Beliau mengambil pendidikan terakhir di fakultas seni rupa jurusan seni patung di ISI Yogyakarta. Semasa hidupnya, Syahrizal Koto telah meraih berbagai macam penghargaan.

Basrizal Albara

Basrizal bukan berasal dari keluarga seniman. Seniman yang lahir di bengkalis, Riau pada 30 Maret 1966 ini lahir di keluarga PNS. Ia merupakan satu-satunya anak yang memilih berkarir di dunia seni dan akhirnya menjadi pematung. Setelah menyelesaikan pendidikan di jurusan seni patung di Sekolah Menengah Seni Rupa (SMSR), Padang ia selanjutnya pindah ke Yogyakarta untuk menempuh pendidikan di Institut Seni Indonesia (ISI), Yogyakarta.

Dolorosa Sinaga

Pematung dari Sumatera Utara ini awalnya tak memiliki cita-cita menjadi pematung atau seniman. Namun sejak menempuh pendidikan di Institut Kesenian Jakarta (IKJ) ia mulai serius dan berfokus penuh pada karya seni patung.

Setelah menyelesaikan studi di IKJ, Dolorosa memutuskan untuk melanjutkan pendidikannya di St. Martins School of Art London, Inggris dan menambah ilmunya di Karnarija Lubliyana, Yugoslavia dan di Piero’s Art Foundry Berkeley, Amerika Serikat. Beberapa karyanya telah tersebar di beberapa negara, salah satunya di Malaysia.

Nuzurulis Koto

Pematung satu ini menempuh pendidikan formal dalam bidang seni di akademi Rupa Surabaya (AKSERA) pada tahun 1967. Nurzulis Koto tak hanya dikenal sebagai pematung, ia juga dikenal sebagai seorang pelukis dan pencipta keramik.

Tokoh Seni Patung di Indonesia

Herry Maizul

Pria asal Padang Panjang ini adalah pematung senior dan pemimpin kelompok Khatulistiwa di Yogyakarta yang lahir di Sumatera Barat pada tahun 1963. Apakah kalian tahu patung Ronald McDonald Indonesia yang ikonik? Beliau lah yang menciptakan patung tersebut berdasarkan pesanan dari pihak McDonald’s Indonesia. Patung tersebut tersebar di seluruh Indonesia juga kawasan Asia Pasifik lainnya.

Arby Samah Datuak Majo Indo

Tokoh seni patung lain dalam dunia seni patung Indonesia yakni Arby Samah atau yang bernama lengkap H. Arby Samah Datuak Majo Indo. Beliau lahir di Pandai Sikek, Tanah Datar, Sumatera Barat pada tanggal 1 April 1933.

Karya-karya patung yang tercipta dari kepiawaian tangannya ini beraliran abstrak. Dan beliau tercatat sebagai seniman patung atau pematung pertama yang ada di Indonesia. Sang legenda ini menempuh pendidikan seni di Akademi Seni Rupa Indonesia Yogyakarta (ASRI Yogyakarta) pada tahun 1953.

Yusman

Pematung yang karyanya sangat terkenal di Indonesia ini lahir di Padang, 12 November 1964. Menurutnya, sejarah tak hanya hadir dalam wujud teks atau buku, tetapi juga dapat dihadirkan dan digambarkan melalui ukiran sebuah patung. Baik tokoh ataupun peristiwa. Menurutnya juga, karya patung mampu merekonstruksi peristiwa atau sejarah di masa lalu.

Gregorius Sidharta

Sedikit berbeda dari tokoh seni patung Indonesia yang kebanyakan lahir di Sumatera kemudian pindah ke Yogyakarta, Sidharta adalah pribumi asli kota Gudeg alias Yogyakarta. Beliau lahir pada tanggal 30 November 1932 lalu. Sidharta disebut-sebut sebagai tokoh pembaharuan dalam dunia seni patung di Indonesia.

Sebelum beralih ke seni patung, Sidharta sempat mempelajari dasar-dasar melukis dari tokoh seni lukis seperti Hendra Gunawan dan Trubus pada tahun 1950-an.

Read Full Article
Posted on By: Chester Richards

Seni Arsitektur Bersejarah Yang Ada di Indonesia

Seni Arsitektur Bersejarah Yang Ada di Indonesia – Mungkin bangunan bersejarah yang paling dikenal di Indonesia adalah Candi Borobudur dan Candi Prambanan. Namun, masih ada berbagai bangunan bersejarah di Indonesia yang memiliki arsitektur menakjubkan. Dalam kurun waktu lebih dari 4 abad, zaman kolonial juga menciptakan banyak karya arsitektur bangunan yang memperkaya dunia arsitektur Indonesia.

Berbagai perpaduan unsur budaya dari beragam ras, bangsa, dan agama melahirkan arsitektur bangunan bersejarah yang menawan dan berperan penting dalam perkembangan arsitektur tanah air. Dari arsitektur bangunan bersejarah ini, kita bisa mempelajari seberapa penting sejarah perkembangan manusia.

Seni Arsitektur Bersejarah di Indonesia

Kreativitas dan daya imajinasi manusia dalam mewadahi kebutuhannya terhadap ruang fungsional melahirkan karya arsitektur yang luar biasa. Dedikasi pada karya arsitektur itu juga telah menciptakan arsitektur bersejarah, yang diakui secara luas, dan tak lekang oleh waktu. Berikut ini adalah arsitektur bangunan bersejarah di Indonesia.

Candi Borobudur

Candi Borobudur dibangun pada masa Raja Samaratungga dari wangsa Syailendra pada tahun 825 M. Candi Buddha terbesar di dunia yang telah diakui UNESCO sebagai salah satu keajaiban dunia ini  mempunyai tinggi 42 m, dengan 10 tingkat yang mewakili kamadhatu (manusia yang terikat hawa nafsu), rupadathu (manusia yang telah terbebas dari hawa nafsu, namun masih terikat rupa dan bentuk), dan arupadhatu (manusia yang telah terbebas dari nafsu, rupa, dan bentuk). daftar joker123

Gunadharma, sang arsitek, dengan detail menorehkan 2.672 panel relief (yang bila dijajarkan memiliki panjang 6 km), yang dilukiskan secara beruntun searah jarum jam. Candi Borobudur dibangun dengan teknik tinggi, dibuat dari batu kali yang tersusun rapih dengan sistem interlock (saling mengunci satu sama lain). Sebagai candi Buddha, Borobudur dilengkapi 504 patung Buddha, dengan kubah utama dikelilingi 72 patung Buddha yang masing-masing terletak di dalam stupa berlubang. pafikebasen.org

Candi Prambanan

Candi Prambanan berkaitan dengan legenda Roro Jonggrang. Candi yang juga dikenal sebagai kompleks Seribu Candi ini mempunyai banyak candi dengan candi utama setinggi 47 m sebagai ‘tandingan’ Candi Borobudur, sebagai lambang kejayaan Hindu dan redupnya zaman kerajaan Buddha di Indonesia. Candi Prambanan didirikan sebagai pemujaan untuk Dewa Siwa, dewa pelebur yang melebur segala sesuatu yang sudah usang dan tak layak berada di dunia fana lagi sehingga harus dikembalikan ke asalnya.

Prambanan berdiri di perbatasan Jawa Tengah dan Yogyakarta. Candi Prambanan termasuk Situs Warisan Dunia UNESCO, diakui sebagai candi Hindu terbesar di Indonesia, sekaligus salah satu candi paling indah di Asia Tenggara.

Gedung Sate

Jangan salah mengira dan menganggap Gedung Sate sebagai gedung yang berbentuk seperti sate atau sebuah gedung tempat menjual berbagai jenis sate. Gedung yang dibangun tahun 1920 ini dikenal sebagai Gedung Sate karena memiliki ciri khas yang unik, yakni ornamen 6 tusuk sate yang terdapat di atas menara sentral sebagai lambang 6 juta Gulden yang digunakan untuk pembangunannya. Gedung ini sangat terkenal tak hanya di kota Bandung saja, melainkan juga di Jawa Barat bahkan seluruh Indonesia. Gedung Sate masih berdiri kokoh dan berfungsi sebagai pusat pemerintahan Kota Bandung.

Gedung Sate dikenal karena arsitekturnya yang megah, sarat budaya dan sejarah. Dalam pembangunannya, dibutuhkan 2.000 pekerja dari beragam etnis, termasuk 150 tukang kayu dan pemahat batu handal dari Cina.

Lawang Sewu

Dalam bahasa jawa, Lawang Sewu berarti seribu pintu. Memang jumlah pintu bangunan yang dibangun tahun 1907 ini sangat banyak, namun tak mencapai 1000 pintu.  Lawang Sewu berlokasi di sebelah timur Tugu Muda Semarang, di sudut Jalan Pandanaran dan Jalan Pemuda.

Bangunan tiga lantai berarsitektur Belanda ini sangat unik, pintunya sangat banyak disertai jendela yang sangat tinggi dan lebar. Di lantai utama, di dekat tangga menuju lantai dua, terdapat sebuah kaca besar berlukiskan dua wanita Belanda yang sangat indah. Inilah sebabnya, Lawang Sewu menjadi tempat wisata eksotik yang sangat digemari berbagai kalangan.

Kelenteng Sam Po Kong

Kelenteng Sam Po Kong dulu dikenal sebagai Gedung Batu karena bentuknya mirip goa batu besar pada bukit batu. Gedung Batu atau Kedong Batu berarti tumpukan batu alam untuk membendung Sungai Kaligarang pada abad ke-15. Kelenteng ini adalah petilasan Sam Po Tay Djien atau yang lebih dikenal dengan Laksamana Cheng Ho dari Cina, dan sekarang lebih difungsikan sebagai tempat peringatan dan ibadah. Kelenteng ini berarsitektur perpaduan budaya lokal dan Cina, berlokasi di daerah Simongan, barat daya Kota Semarang.

Pagoda Watugong   

Pagoda Avalokitesvara atau sering disebut Pagoda Mettakaruna berarti pagoda cinta dan kasih sayang. Berdiri di kawasan Watugong (disebut demikian karena ada batu berbentuk seperti gong). Vihara Buddhagaya terdiri dari 5 bangunan dengan 2 bangunan utama, yakni Pagoda Avalokitesvara dan Vihara Dhammasala yang dibangun pada tahun 1955 dengan material yang didatangkan langsung dari Cina.

Ketinggian Pagoda Avalokitesvara mencapai 45 m dengan 7 tingkat yang mengecil ke bagian atasnya, dengan makna kesucian yang akan diraih oleh pertapa setelah mencapai tingkat ke-7 atau nibbana. Perpaduan warna merah dan kuning pada pagoda ini identik dengan bangunan khas Tiongkok. Di dalam pagoda berukuran 15×15 meter dengan bentuk dasar segi delapan ini ada patung Dewi Kwan Im setinggi 5,1 m dan patung Panglima We Do di sebelahnya.

Pada jendela di tingkat ke-2 sampai ke-6, ada patung Dewi Kwan Im yang menghadap empat penjuru mata angin, sebagai lambang pancaran welas asih ke empat penjuru. Di bagian puncak ada stupa untuk menyimpan relik mutiara Buddha. Namun, tak ada tangga untuk mengakses puncak pagoda. Total patung dalam bangunan yang mendapatkan rekor MURI sebagai pagoda tertinggi di Indonesia pada tahun 2006 ini ada 30 buah.

Seni Arsitektur Bersejarah di Indonesia

Masjid Istiqlal

Masjid Istiqlal menjadi cerminan kebersamaan dalam kebhinnekaan dan keragaman agama di Indonesia. Masjid terbesar di Asia Tenggara dan Asia Timur ini adalah hasil rancangan Frederich Silaban yang merupakan seorang Protestan. Masjid yang pembuatannya dimulai pada 24 Agustus 1951 dan selesai pada 22 Februari 1978 ini mempunyai gaya arsitektur Islam modern internasional yang menampilkan bentuk-bentuk geometri sederhana seperti kubus, persegi, dan kubah bola ukuran raksasa yang dihiasi beberapa ornamen.

Keberadaan kubah bola raksasa difungsikan untuk memberikan kesan agung dan monumental. Uniknya kubah raksasa dari masjid Istiqlal dibuat dengan konsep arsitektur minimalis, menggunakan marmer putih dan baja antikarat (stainless steel) yang bersifat kokoh, netral, sederhana, dan sesuai dengan iklim tropis. Selain arsitektur islam modern dan minimalis, arsitektur Timur Tengah juga diterapkan melalui hiasan kaligrafi di bagian dalam kubah masjid. Keberadaan menara tunggal dengan tinggi total 96,66 meter menjulang di sudut selatan selasar menjadikan masjid ini begitu ikonik.

Gereja Katedral

Bangunan Gereja Katedral Jakarta dengan tinggi 60 m yang  megah ini mulai dibangun pada tahun 1891 untuk menggantikan bangunan gereja lama buatan Belanda yang hancur pada tanggal 9 April 1890 pukul 10.45 WIB tepat 3 hari setelah perayaan Paskah. Setelah melalui serangkaian hambatan perizinan dan pendanaan, akhirnya pada 21 April 1901 Gereja Katedral diresmikan dengan nama “De Kerk van Onze Lieve Vrowe ten Hemelopneming – Gereja Santa Maria Diangkat Ke Surga”.

Arsitektur neo-gotik menjadi konsep gedung yang dibangun dengan biaya 628.000 gulden hasil penggalangan dana dari jemaat di Indonesia. Para pejabat Belanda saat itu, menilai gereja hasil karya Pastor Antonius Dijkmans ini “terlampau kokoh” karena struktur gedung dan material yang digunakan adalah yang terbaik.

Read Full Article